La Invasión de los Ladrones de Cuerpos

INVASION OF THE BODY SNATCHERS

USA 1956
Director: Don Siegel
Productora: Walter Wanger Productions.
Productor: Walter  Wanger.
Guión: Daniel Mainwaring.
Fotografia: Ellsworth Fredrickd.
Intérpretes: Kevin McCarthy, Dana Winter, King Donovan, Carolyn Jones, Larry Gaters, Jean Willes, Whit Bissel.
Duración: 80 minutos, B/N.

A requerimiento de su preocupada ayudante Sally (Jean Willes), el doctor Milles Bennell (Kevin McCarthy) abandona un importante congreso de medicina para regresar urgentemente a su pueblo natal, Santa Mira, con objeto de atender cuanto antes a un número inusualmente alto de pacientes.
Numerosos vecinos parecen sufrir de pronto una especie de psicosis que les lleva al convencimiento de que sus familiares más cercanos resultan en realidad impostores, réplicas físicamente idénticas a sus seres queridos, aunque carentes por completo de los sentimientos y emociones de éstos. También para sorpresa del doctor, a las pocas horas esas mismas personas afirman haberse olvidado del todo de sus recientes temores, no volviendo a conceder ninguna importancia al asunto, al tiempo que comienzan a descuidar sus quehaceres cotidianos.

En un primer momento, tanto Milles com su ex-novia (Dana Wynter) se resisten a dejarse alarmar por la evidente anormalidad de los hechos, sin embargo el tenebroso descubrimiento por parte de sus amigos Jack (King Donovan) y Theodora (Carolyn Jones) de un cuerpo inmóvil, al principio sin ningun rasgo diferenciador y poco más tarde un duplicado exacto del propio Jack, les hará convencerse de que se encuentran ante una silenciosa e inexorable invasión llevada a cabo por unas formas de vida de origen desconocido, capaces de adoptar cualquier apariencia e incluso absorver todos los recuerdos, aunque no sus emociones, de su contrapartida humana.

Por desgracia, al tratar de compartir sus fundados temores con otros amigos y familiares, descubrirán con terror que la mayoria de ellos ya han sido sustituidos por dichos seres sin sentimientos, los cuales planean extender sus redes, primero a los pueblos cercanos y más parte al resto del planeta.
Agobiante y frenética obra maestra del celuloide fantástico, La inasión de los ladrones de cuerpos constituye una de las elevadas cotas alcanzadas por la ciencia ficción estadounidense durante la fértil década de los 50.

Basada en la novela The Body Snatchers de Jack Finney, publicada por entregas en el magazine Collier y ampliada a su vez de un relato anterior del mismo autor titulado Sleep no more, la pelicula ha sido objeto de un controvertido debate en torno a sus posibles implicaciones politicas subyacentes. Considerando que fue rodada en plena guerra fria, durante la presidencia de Eisenhower y en el momento en que el senador Joseph McCarthy se hallaba en la cima de su poder, resulta evidente que las múltiples dudas interpretativas se han centrado en descifrar si nos hallamos ante un film anti-McCarthista (siendo los invasores una alegoria a las huestes fascistas del nefasto senador) o por contra, una obvia alegoria anticomunista (siendo los invasores una representación del miedo a lo rojo).

Lo cierto es que tanto una como otra postura encuentran en el largometraje no pocos asideros válidos, de modo que atendiendo a criterios exclusivamente cinematográficos, lo único que permanece hoy fuera de toda duda es su extremo y seco vigor narrativo, su desarrollo sin concesiones, un milimetrado y taquicárdico sentido del ritmo en aras de una atmósfera progesivamente claustrofóbica; todo ello urdido con superior maestria por el aún no demasiado reconocido Don Siegel, uno de los más grandes artesanos que jamás haya dado la serie B.
Finalmemte señalar que asustados por la crudeza del resultado inicial y contra los deseos expresos del propio realizador, los directivos del estudio añadirian posteriormente los tranquilizadores prólogo y epilogo que todos conocemos y que suavizan un tanto las pesimistas ideas del relato.

EPIC ILLUSTRATED

Epic Illustrated fue una revista de cómics publicada por Marvel. La serie duró 34 números desde la primavera de 1980 hasta febrero de 1986, con dibujos a todo color e impresa en papel satinado. Epic Illustrated era la  publicación más lujosa que Marvel habia editado hasta esa fecha; su precio era de dos dólares, en una época en que los cómics ordinarios costaban quince centavos.
Representaba un intento de llegar al público adulto y fue tomado más en serio que las desafortunadas series en blanco y negro de años atrás, siendo anunciada como "ciencia ficción y fantasia para adultos".
Epic Illustrated fue la primera publicación de Marvel en que tuvieron que comprar los derechos de edición, esto significaba que los autores tenian el derecho de propiedad de sus creaciones. Este enfoque atrajo a profesionales de talante independiente como Jim Statlin, que ya habia trabajado en Marvel en los años setenta, o Wendy Pini, cuya serie Elfquest, editada por ella misma, contaba con una entusiasta legión de seguidores.

Los autores que pasaron por sus filas es impresionante, desde autores consagrados como John Byrne, John Buscema, Mike Kaluta, Barry Windsor-Smith y Bernir Wrightson, hasta autores noveles como Steve Bissette, Pepe Moreno, Rick Veitch y Kent Willians

Si la calidad de los autores era incuestionable, la de los portadistas era de lujo, ilustradores que sobresalian en el campo de la fantasia, fueron los encargados de crear las cubiertas de la revista, sus creaciones con el paso de los años se han vuelto miticas, como Frank Frazetta, Richard Corben, los hermanos Hildebrant y Boris Vallejo.

La dirección de la revista corrió a cargo de Archie Goodwin, antiguo Director Editorial de Marvel. Su profesionalidad y su compenetración con los autores hicieron de la revista, una de las más innovadoras y sorprendentes de la época.
Pese a seis años de éxito en el nivel artistico, la revista nunca cumplió con las expectativas comerciales de Marvel; era demasiado cara para los niños y nunca logró vencer la retiticencia del americano adulto a leer cómics.

Como selección de historias destacan, Odisea de la Metamorfosis, donde Jim Starlin presentó a Dreadstar.
Marada The She-Wolf  creada por Chris Claremont y John Bolton.
Abraxas and the Earthman de Rick Veitch.
The Last Galactus Story de John Byrne yTerry Austin.
Young Cerebus de Dave Sim.
"Generation Zero" de Pepe Moreno and Archie Goodwin.
A Tale Of Elric of Melniboné : The Dreaming City  de Michael Moorcock , Roy Thomas ,y P.Craig Russell .

El Príncipe de la Noche

Tomo de lujo publicado por Glenat, donde se recoje todo el material creado por el belga Yves Swolfs en su obra El Principe de la Noche. En la vorágine actual de moda del género zombie, se echaba de menos al sofisticado y depravado vampiro. Esta obra está compuesta de dos ciclos, cada uno de tres números.
Swolfs crea un historia clásica que bebe a partes iguales del género literario y cinematográfico, su personaje es una mezcla del vampiro interpretado por Bega Lugosi (Universal 1931) y el de Cristopher Lee (Hammer 1958) y sigue las mismas pautas y clichés que sus versiones para el cine.
Curiosamente, dos años atrás de la creación de esta obra, se estrenó otra nueva versión de Drácula, creada por Coppola, una obra que en su época tuvo grandes alabanzas, sin embargo el autor belga se olvida de ella. Tal vez por el enorme error que supuso crear al vampiro como un héroe romántico, error que no comete Swolfs, ya que su vampiro es un ser amoral y maligno, un auténtico depredador. Esta versión en cómic es más fiel al espiritu del autor irlandés Bram Stoker, que el fallido tratamiento de Coppola.

Pese a seguir los parámetros habituales del género vampirico, la obra no defrauda, esta magnificamente narrada y mejor dibujada, en ella nos muestra el enfrentamiento a través del tiempo entre los primogénitos de la familia Rougemont, contra el vampiro Vladimir Kergan.
A través de imágenes del pasado, iremos conociendo como se desarrolló este odio y como el último de los Rougemont, Vincent intentará poner fin a la maldición que pesa sobre su familia.

Como dato curioso, los mienbros de la familia Rougemont, que se enfrentan a Kergan, no mueren a manos de este, si no que prefieren quitarse la vida, antes que compatir la inmortalidad con él. Los primogénitos que a través de los siglos se enfrentan al vampiro, no son almas puras, son seres tan oscuros y despiados, como el propio Kergan. Sólo Vincent es el más puro y pragmático de toda la familia y solo el joven podra detener la fuerza arrolladora del vampiro y más aun cuando este último pretende una alianza con el ejército nazi.
Obra disfrutable, con inspirados momentos, con un dibujo evocador y preciosista que nos reconcilia con el buen hacer de los autores europeos.

Grandes series televisivas - Los Invasores

The Invaders

Género: ciencia- ficción.
Duración capitulo: 50 minutos.
Estreno: Estados Unidos. ABC, 1967.
Estreno en España: TVE, 1968.
Productor: Quinn Martin.
Reparto: Roy Thinnes (David Vincent) y Kent Smith (Edgar Scoville).

"David Vincent los ha visto"
Con esta frase se iniciaba cada uno de los episodios de esta serie que narraba las peripecias de un arquitecto, que una noche tomaba un desvio equivocado en una carretera y presenciaba el sigiloso aterrizaje de una nave espacial. A la mañana siguiente regresaba al lugar pero no encontraba ninguna prueba de lo que habia visto la noche anterior.
Sim embargo, una serie de atentados contra su vida lo convencia de que alguien o algo, iba tras él. Gradualmente, Vincent iba juntando las piezas de un increible rompecabezas cuya imagen final era la de una avanzadilla de seres de un planeta moribundo, que se infiltraban en nuestro mundo para preparar el camino de una posterior conquista.
Pero una cosa era saber la verdad y otra poder convencer a los demás de la misma. Asi, Vincent inicaba una cruzada personal cuyo objetivo era la obtención de pruebas irrefutables de la invasión de la que éramos objeto, además de sobrevivir a las sucesivas trampas que le tendian los extraterrestres.

Aunque cuando morian, los invasores se desintegraban sin dejar más rastro que un polvillo rojo, tenian algunos puntos flacos. Se les podia identificar por su incapacidad para doblar el dedo meñique. También, en algunas excepcionales ocasiones, podian brillar cuando necesitaban regenerar su disfraz humano. Y por supuesto, no tenian ni pulso ni latidos, pues los invasores ... no tenian corazón.
Tras algunos meses de lucha en solitario, los responsables pensaron que Vincent empezaba a estar un poco solo para resultar creible y añadieron a la serie algunos aliados. Por ejemplo, un grupo de siete hombres que conocian el secreto y querian ayudar. El jefe de los siete era Edgar Scoville, el dueño de una cadena de productos electrónicos que entró en la serie como personaje fijo en 1967 y que desde entonces trabajó codo con codo con Vinvent.

Aunque en España sea un serie mitica, Los Invasores no fue un gran éxito. De hecho, se rodaron sólo un total de 43 episodios, divididos en dos temporadas. Su creador fue Larry Cohen, quién años después se convertiria en un cineasta, autor de peliculas de terror y ciencia ficción, con obras de culto como "Estoy vivo".
En 1995, Roy Thinnes volvió a meterse en la piel de David Vincent para rodar un telefilm de dos partes basado en la serie y titulado The Invaders. En esta nueva versión el principal cazador de alienigenas estaba interpretado por el actor, Scott Bakula.

Los Vengadores de Stan Lee y Jack Kirby

En seprtiembre de 1963, Marvel ya estaba en condiciones de cumplir el deseo de Martin Goodman (dueño de la editorial) de que la compañia publicase una serie repleta de personajes al estilo de la JLA de DC. A finales de ese año, la editorial tenia superhéroes más que sobrados y algunos fueron reclutados para formar un nuevo grupo llamado Los Vengadores.
Los Vengadores originales estaban compuestos por Iron Man, Thor, Hulk y el Hombre Hormiga, y como no, su compañera La Avispa. La inclusión del antisocial Hulk en el grupo fue una extraña elección, incluso para una compañia cuya especialidad eran las frecuentes disputas entre los personajes. Hulk dejó el equipo en el segundo número de la serie, pero regresó en el tercero para combatir a los restantes Vengadores con la ayuda del siempre malhumorado Namor.
Jack Kirby realizó el lápiz de la serie durante sus primeros ocho números, para a continuación hacerse cargo el competente Don Heck.
Los Vengadores ofrecia a menudo imágenes de multitudes, siendo habitual que múltiples villanos aparecieran para combatir a los numerosos héroes.

Dada la anárquica naturaleza de los superhéroes Marvel, no es de extrañar que en el transcurso de los años, Los Vengadores se hayan revelado como un supergrupo singularmente inestable.
Kirby, que a menudo establecia el estilo visual de las nuevas series para a continuación pasar a otros proyectos, permaneció en la colección el tiempo suficiente para dibujar una vez más al miembro que conseguiria ser el corazón y el alma del equipo: El Capitán américa, el gran héroe de la Golden Age, creado por Joe Simon y Kirby en 1941, y que fue revivido en 1964 cuando el furibundo Namor, lanza al mar un cuerpo congelado, al que los Vengadores rescatan de las frias aguas del ártico, para descubrir con asombro que era el antiguo personaje, por el que la mayoria sentia admiración. El Capi no tardaria en asumir el mando de todo el equipo y en el nº 16, era la única gran estrella que quedaba en él.

Stan Lee admite que durante ese período, las historias interconectadas del Universo Marvel empezaban a confundirle incluso a él. Mantener a personajes estrella como Thor en Los Vengadores sin contradecir la información de la propia serie del personaje se estaba convirtiendo en una tarea complicada.
Como resultado, Los Vengadores experimentaron un cambio de guardia y El Capitán América pronto se encontró dirigiendo a un varipointo grupo de villanos reformados compuesto por Ojo de Halcón, Mercurio y su hermana La Bruja Escarlata. De estos nuevos personajes, Ojo de Halcón, un arquero arrogante y sarcástico, fue el que más popularidad alcanzaria.

Regreso a la Tierra

This Island Earth

USA 1955
Director: Joseph Newman.
Productora: Universal.
Productor: William Alland.
Guión: Franklin Cohen, Edward G.O. Callaghan.
Fotografia: Clifford Stine.
Efectos especiales: Clifford Stine, Stanley Horsley.
Intérpretes: Jeff Morrow, Faith Domergue, Rex Reason, Russell Johnson, Douglas Spencer, Reg Parton, Ed Parker.

Unos alienígenas procedentes del planeta Metaluna, inmersos en una cruenta contienda galáctica con otra especie conocida como los Zahgons, llegan a la Tierra con objeto de raptar a un puñado de los más brillantes científicos humanos para que éstos le ayuden a reparar el dañado escudo planetario que protege su mundo de los ataques exteriores.
Sin embargo, al poco de llegar a Metaluna, los Zahgons desintegrarán por completo el escudo, sembrando el caos en el planeta. Un par de cientificos humanos (Rex Reason y Faith Domergue) consiguen escapar en el último momento, antes de la destrucción total del planeta, gracias al sacrificio de un benigno extraterrestre (Jef Morrow).

Pese a tratarse, en apariencia, de otra tipica space opera, con alienigenas involucrando a los terráqueos en conflictos interplanetarios, This Island Eatrh presenta una serie de caracteristicas que le hacen transcender por encima de esas estrechas coordenadas genéricas. En primer lugar, los extraterrestres son representados con trazos más favorecedores que en la mayoria de peliculas de la época.
Aqui, los habitantes de Metaluna no resultan, ni mucho menos una amenaza para la Tierra y si recurren al rapto de los cientificos humanos es sólo para asegurarse de su colaboración, necesaria dado lo desesperado de su situación.

Otro de los aspectos exóticos de la trama es el convencimiento de que la energia atómica puede ser utilizada con fines benéficos y no sólo como portadora de muerte, algo en verdad inusual en este género tan esencialmente pesimista.
Por otra parte, desde un punto de vista estético, la pelicula constituye una de las experiencias más hipnóticas que la serie B proporcionó durante los 50, de hecho fue uno de los últimos largometrajes rodados en Technicolor, no sólo por el preciosismo cromático esgrimido en la construcción de decorados y vestuario, si no también por lo deliciosamente imaginativo de sus efectos especiales y lo extravagante de sus maquillajes.

Por desgracia, ni la dirección, rutinaria y desganada de Newman, ni las interpretaciones de Reason y Domergue se hallan a la altura de la maravillosa iluminación de Stine y del guión, tremendamente moral y rico en alegorias camufladas de clichés génericos.
En la espectacular secuencia final de la destrucción final de Metaluna, colaboró el mismisimo Jack Arnold, uno de los más grandes maestros de la ciencia-ficción de la progiosa época de los 50.

Invisible Scarlet O'Neil

Tiras de prensa que recojen las aventuras de una super-heroina que presionando su muñeca izquierda conseguia la invisibilidad y al repetirlo regresaba a su estado normal.
Asi fue durante el primer decenio de la serie, debida a Russell Stamm y difundida por el Chicago Times Syndicate desde el 3 de junio de 1940 en tiras diarias y a partir del 5 de enero de 1941 en entregas dominicales a todo color y que eran por entonces independientes de las tiras diarias. Después que Stamm pasara dos años en el ejército, las andanzas de Scarlet O'neil se inscribieron en un ciclo de continua evolución donde el hunor cobró paulatina importancia.

El reorganizado syndicate, con la denominación de Chicago Sun-Times desde finales de 1947, anunció al llegar el otoño de 1949, un western paródico de Stamm, llamado Scarlet and Chips.
Con el término de la década y debido a la decadencia del género super-heroico, los directivos toman la decisión de suprimir el poder de invisibilidad de la joven. Debido a ello, sus entregas pasan a llamarse Scarlet O'Neil.

En 1952 apareció un tejano rubio de aspecto fornido y un tanto macarra, con lo cual el nombre de las tiras dieron un nuevo giro, desde el 24 de octubre de 1954, pasándose a llamar Stainless Steel. Antes del cambio de nombre se habia agregado a la firma de Stamm la de Emery Clark, quien trabajaba para el anterior desde tiempo atrás.

Por fin la serie acabó en 1956, la última tira dominical mostró al tejano diciendo a su pareja que estaba cansado de tanta aventura y en la viñeta final se volvia al lector para despedirse verbalmente y alzando la mano a modo de saludo, lo cierto es que el público se cansó de él. Lástima que no siguiesen las tiras de la chica ivisible, esas si que tenian miga.

Vida en otro planeta

Vida en otro planeta es una historia de ciencia ficción, que fue publicada  por primera vez en la revista Spirit en  forma de serie por entregas, de ocho capitulos de 16 páginas, desde octubre de 1978 hasta diciembre de 1980 y años más tarde recogida en un solo volumen.
Pues bien, los aficionados al cómic estamos de enhorabuena, pues Norma publica esta magnifica obra, creada por un lúcido Will Eisner, en la que asistiremos a las consecuencias sociales y politicas de un primer contacto con una civilización extraterrestre.
Una señal recibida del espacio exterior, más exactamente del planeta Barnard, será el punto de partida de la historia. En plena guerra fria, las dos naciones más poderosas quieren ser las primeras en contactar con los emisarios del espacio, para ello cada nación empleará todos los medios a su alcance.
Al llegar a este punto, varias lineas argumentales se abren y se cruzan con diferentes consecuencias, la noticia sale a la luz y un vagabundo crea una secta y un culto a los extraterrestres, pero que solo sirve para aprovecharse de los incautos, mientras un poderoso grupo empresarial a la sombra de los gobiernos, intenta manejar los hilos en su propio provecho, creando una nave espacial para llegar al planeta e incluso logran crear vida artificial. La cosa se complica más cuando un pequeño pais africano Sidiami, decide separarse de la Tierra y se declara colonia del planeta Barnard y en medio de esta voragine está el astrofisico James Bludd, la única persona sensata que puede acabar con todo este despropósito.

A través de esta fábula, el maestro Eisner hace un somero examen a la parte más oscura del ser humano, con su lápiz hiriente como un bisturi, no deja titere con cabeza, toda la trama gira alrededor de la ambición y la codicia de los diversos personajes que pueblan la historia, con un tono general cargado de pesimismo.
Una brillante obra creada por un veterano y reflesivo Eisner, que nadie deberia perderse, pues no ha perdido actualidad.

Tales of Suspense

Tales of Suspense es el nombre de una serie de cómics publicados por Atlas Comics y más tarde por Marvel, comenzó como una serie dedicada a la cienccia ficción y al suspense, para pasar a dedicarse a la creación de monstruos con nombres muy llamativos y un tanto horteras, todo bajo la influencia de la moda de las peliculas de ciencia ficción y monstruos del cine norteamericano de mediados y finales de los años 50, en el género denominado, y no sin razon serie-B.
Esta obra sirvió de escaparate para artistas como Jack Kirby, Steve Ditko, Don Heck, Dick Ayers o Joe Sinnott. 
Tiempo después y bajo el sello de Marvel aparecen los superhéroes como Iron Man y Captain America en la etapa que se conoce como la Silver Age. En su nº 100 (abril de 1968), la colección cambiaria su titulo por el de Captain America. La primera publicación de Tales of Suspense, fue editada por Atlas Comics desde el número1 al 38 (enero 1959-agosto 1962), antes de conocerse finalmente con el nombre de Marvel. Estas historias estaban escritas principalmente por el editor en jefe Stan Lee.

En esta publicación, más exactamente en el nª 39 (marzo de 1963) hizo su debut el superhéroe conocido como Iron Man, creado por Stan Lee y su hermano el también guionista Larry Lieber y los artistas Don Heck y Jack Kirby. Las historias eran en de 13 páginas y solian traer alguna.pequeña historia de complemento.

Después de su debut con su voluminosa y aparatosa armadura gris, Iron Man fue rediseñado con una armadura similar, pero de color oro en su segunda historia. La primera vez que uso su elegante y moderna armadura de color rojo y oro fue en el  nº 48 (diciembre 1963), dibujado por Steve Ditko, aunque no se sabe si fue el propio Ditko o fue Kirby, quién la diseñó. Desde los números 53-58 (mayo-octubre, 1964), el logotipo de la portada fue "Tales of Suspense featuring The Power of Iron Man".

Desde los números 49-58 (enero-octubre 1964),  y como  historia de complemento de 5 páginas, se presentó "Tales of Watcher" donde la entidad cósmica conocida como el Vigilante contaba historias de los personajes secundarios del universo Marvel, el final de estos  relatos estuvo dibujado por GeorgeTuska, que más tarde se convertiria en uno de los artistas más recordados de Iron Man.

Empezando con la edición del nº 59 (noviembre 1964), Iron Man comenzó a compartir la titularidad con The Captain America, que había aparecido como estrella invitada en Iron Man del número anterior. Jack Kirby, co-creador del Capitán junto con Joe Simon durante la década de 1940, en la época conocida como Edad de Oro de los cómics, habia revivido al personaje para el grupo de superhéroes conocido como The Avengers y ahora volvia a ilustrar las aventuras en solitario de su personaje por primera vez desde 1941.

En el nº 63 (marzo de 1965), el editor guionista Stan Lee volvió a contar el origen del Centinela de la Libertad. A partir del nº 71 (noviembre 1965) aparecen historias del  período que el Capi estuvo luchando durante la Segunda Guerra Mundial , y co-protagonizadas por su ayudante en ese periodo de tiempo, Bucky .

Kirby dibujó todas estas aventuras menos dos historias, que fueron realizadas por Gil Kane y John Romita Sr, varias historias fueror terminadas por George Tuska sobre diseños de Kirby. Los entintadores regulares de Kirby en la serie fueron Frank Giacoia y Joe Sinnott, aunque Don Heck y Syd Shores también hicieron colaboraciones.

"Tales of Suspense" desapareció paraa convertirse en el titulo The Captain America. En el n º100, Iron Man llegó a aparecer en otra cabecera en Iron Man y Sub-Mariner # 1 (abril 1968), y luego debutó en su propio título con Iron Man # 1 (mayo 1968).

Superman: Para todas las estaciones

Serie limitada de 4 números publicada por DC en 1998, y que corre a cargo del escritor Jeph Loeb y el dibujante Tim sale. Estos dos autores mantienen una larga amistad y eso se nota; cuando ambos conciden en un proyecto, el resultado es de una calidad muy superior a la media. Juntos han creado una serie de cómics excelentes, por poner un ejemplo para DC, El Largo Hallowen , o su continuación Dark Victory o esa simpática y vitalista Catwoman: Si vas a Roma. Para Marvel han dado su versión cromática de los superhéroes, Daredevil Yellow, Spiderman Blue o Hulk Grey, cómics magnificamente narrados y mejor dibujados.
Superman: Para todas las estaciones, sigue esas mismas pautas, aunque Loeb da una visión muy original a la historia de Superman, donde narra la grandeza del mito a traves de la visión de los personajes secundarios de la serie.
Su obra se basa en las 4 estaciones del año, cada estación es un momento muy especial en la vida del Hombre de Acero y está contada por un narrador. La primavera está contada por Jonathan Kent y en el transcurso de la misma nos muestran a un Clark Kent que va dejando atrás su adolescencia y su mundo en Smallville, para seguir su propio destino, consciente de su inmenso poder, lo afrontará con firmeza y responsablidad, pues no quiere fallarse a si mismo ni a los humanos, a los que tanto admira.

El verano, la narradora de la obra es Lois Lane, que nos cuenta como poco a poco se va enamorando de Superman, a la vez que el superhombre va alcanzando su grandeza, dejando atrás todos sus temores, para convertirse en el salvador de Metropolis, ganándose el respeto de sus ciudadanos y el odio de Lex Luthor.
En otoño, el narrador es el propio Luthor, un hombre obsesionado con eliminar al héroe, para ello urdirá un diabólico plan, que hará perder a Superman la fe en si mismo.

En Invierno, la narración corre a cargo de Lana Lang, Clark ha vuelto a Smallville, alli rodeado de los suyos, encontrará la fuerza interior y reforzará su autoestima, para volver más grande que nunca, pues él es Superman.
Loeb crea un hermoso relato que homenajea la figura del mito, un cómic brillante lleno de hermosos y épicos momentos, con diálogos pausados llenos de ternura y con escenas cargadas de espectacularidad y dramatismo. Además, maneja perfectamente los tiempos de la transformación de un granjero como Kent, en el superhéroe más grande de todos los tiempos.

Sobre Tim Sale solo se puede decir que está genial, con un dibujo lleno de fuerza y frescura, su lápiz retrata meticulosamente los atardeceres en los paisajes de Smollville o las altas torres de Metropolis, su apuesta gráfica recorre desde la más absoluta espectacularidad a los momentos más intimistas, todo ello retratado a la perfección por el prodigioso lápiz de Sale. No me quiero olvidar de la hermosa paleta de acuarelas de Bjarne Hansen, su color embellece aun más el arte del dibujante.
Una gran obra, creada por dos autores en plenitud y que ayuda a crecer el mito de ese gran personaje que es Superman.

Los Eternos de Jack Kirby

En 1970, Jack Kirby dejó Marvel para trabajar en DC, donde comenzó la saga de los Nuevos Dioses en ese inmenso puzzle conocido como el Cuarto Mundo, una historia épica de ciencia ficción mezclada con conceptos mitológicos. Sin embargo, la saga se quedó incompleta tras la cancelación de los títulos en cuestión.
Kirby en su vuelta a Marvel retomó muchas de las ideas que habia concebido en su Cuarto Mundo y creó a Los Eternos en julio 1976, pero desgraciadamente la serie duró 19 números siendo cancelada en enero de 1978 sin resolver muchas de sus tramas y subtramas.
Sus primeros números son de una gran coherencia narrativa, donde el genial autor nos relata, a su manera, la historia definitiva de la Tierra, donde la humanidad será juzgada por Los Celestiales, una gigantesca raza de extraterrestres. Estos enigmáticos dioses ya habian estado en la Tierra donde a partir de un simio, decidieron crear tres nuevas razas: los humanos, los desviantes y los eternos, estas dos últimas en constante batalla.

Pero poco a poco Kirby se fue desviando de su idea original, abrió demasiadas brechas y la historia fue perdiendo consistencia, no es que fuera mala, si no que simplemente perdió parte de su magia. Sin embargo gráficamente era primorosa, lo mejor de Kirby a su vuelta a Marvel.
En su primera concepción, los Eternos no formaban parte del Universo Marvel, Jack Kirby prefirió trabajar con completa libertad. Pero luego, los directivos se vieron en el dilema de si incluirlos en la continuidad de la editorial, cada postura tenía ventajas y desventajas.
 

La ventaja principal sería el poder disponer de los personajes y conceptos desarrollados allí, que de otra forma se perderían. Sersi tuvo una notoria participación entre los Vengadores, y los Celestiales fueron utilizados en importantes sagas cósmicas.
La desventaja es que al estar todo situado en un universo de ficción diferente, al combinarlos se pueden dar situaciones incoherentes o hasta contradictorias. La aparición de dos nuevas razas divergentes de la humanidad o incluso de una raza extraterrestre como la de los Celestiales, deja de ser tan impactante si se da en un contexto donde ya existen tales razas o entidades.

Por otra parte, Olympia, Ikaris y el propio Zuras son claras referencias a Hércules, Zeus y el Monte Olimpo de la Mitología griega, referencias que no encajan en el Universo Marvel que ya tiene su propia visión sobre la naturaleza de los dioses griegos, e incluso a su propio Hércules. Sin contar con el panteón de dioses nordicos, como Odin o Thor.
Otros autores retomaron estos conceptos y se resolvieron las tramas inacabadas, sobre todo el juicio de los Celestiales que pudo acabarse en la serie de Thor.

Hulk de Stan Lee y Jack kirby

Como bien sabemos todos, la primera creación de estos gigantes del cómic fue una familia un tanto disfuncional, Los 4F. Para su segundo superhéroe, Lee y Kirby concibieron a otra figura monstruosa, inspirada por el éxito de La Cosa y por las numerosas criaturas que ambos habían creado en revistas como Tales to Astonish, el resultado fue The Icredible Hulk (mayo 1962).
Obviamente, Hulk provenía en parte de figuras literarias como el Frankenstein de Mary Shelley y el cambiante cientifíco creado por Robert Louis Stevenson, en El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde.
El dibujo que hizo Kirby de Hulk estaba más o menos inspirado en la caracterizicación que el maquillador Jack Pierce creara para el personaje de Boris Karloff en la versión cinematográfica de Frankenstein en 1931. "Siempre habia pensado que el monstruo era el bueno", comenta Lee.
El miedo a la radiación era un tema recurrente a principios de los años sesenta y de nuevo, la radiación fue el recurso que dotó al protagonista de sus increibles poderes. La inquietud ante la energia atómica habia disminuido un tanto desde la década de los cincuenta, aunque sólo fuera porque la idea se habia vuelto familiar. Pero seguia existiendo un transfondo de preocupación y muchos de los superhéroes de la Marvel, debian su existencia a la temida tecnologia.

Para Jack Kirby, el concepto era algo más que un modo fácil de poner en marcha una historia: "Mientras experimentemos con la energia nuclear", explica, "no hay modo de saber qué puede ocurrir o cuál puede ser el precio de nuestros adelantos cientificos". Hulk se convirtió en la más inquietante encarnación marveliana de los peligros inherentes a la era atómica.

La historia del origen de Hulk narraba la primera prueba de una nueva "bomba gamma", creada por un  brillante cientifico llamado Bruce Banner, que quedó expuesto a la explosión por culpa de las maquinaciones de un pérfido espia comunista que actuaba con el elocuente nombre de "Igor". Este espia era una regresión a los dias pasados del miedo al comunismo y la guerra fria; con el tiempo, tales recursos convencionales serian abandonados en favor de unos argumentos más imaginativos, pero la figura de Igor estaba justificada en aquellos dias, por cuanto su presencia sirvió para justificar la tansformación de Bruce Banner en Hulk.

Hulk, una enorme figura con una descomunal fuerza, era de color gris en la primera aventura, sin embargo, la imprenta tenia dificultades para mentener una tonalidad gris, y en su segundo número Hulk pasó a ser verde.
Fuera cual fuese el color, era un ser antisocial constamente perseguido a causa de su aspecto, lo único que queria era estar solo. La tragedia de Hulk lo convertia en una amenaza digna de lástima y su alter ego, Bruce Banner, fue uno de los primeros protagonistas de un comic-book que odió sus constantes transformaciones en superhéroe.

Batman vs Predator II

La primera vez que ambos personajes se enfrentaron fue en 1991, en un crossover entre las compañias DC y Dark Horse, propietaria esta última de los derechos de Predator. Esta miniserie de tres números estaba guionizada por Dave Gibbons y dibujada por los hermanos Kubert. Si bien no era una obra maestra, si era agil y entretenida.
El tremendo éxito de la serie propició una secuela, esta vendria en 1995 en una miniserie de cuatro números, este nuevo enfrentamiento partia con el handicap de que normalmente ninguna segunda parte suelen ser buena, sin embargo tenia un punto a su favor, el primerisimo nivel de sus autores; Doug Moench y Paul Gulacy, acompañados por el entintador Terry Austin.
Moench crea esta serie, no como una segunda parte, si no como una continuación de la primer miniserie, su obra esta llena de acción, donde el cazador y la presa se confunden y a veces intercambian sus roles, llenándolo todo de épica y dramatismo.

Batman debe enfrentarse a una liga de asesinos despiadados contratados por un mafioso y al impacable Cazador de las Estrellas, aunque no está solo, otro ilustre personaje se pasea por la serie, La Cazadora (The Huntress), juntos se emplearán a fondo para salir triunfantes.
En la parte gráfica está Paul Gulacy autor que planifica como nadie las escenas de acción, como si fueran coreografias de un baile sangriento, todo con una sincronización milimétrica. Su enfoque de página es muy cinematográfico, mientras que sus angulaciones ayudan a potenciar la acción y la épica del combate.

Mención aparte se merece la belleza fisica con que dota a La Cazadora y al propio Batman, y su tratamiento gráfico de Predator hace que este transmita poder y terror a partes iguales.
Una estupenda obra, muy superior a la primera, de esas que lees de un tirón y ayudan a reconciliarte con el trillado mundo del cómic.