Kick - Ass

Esta serie nació bajo el sello Icon, una linea de cómics de la editorial Marvel, la cual da total libertad a sus autores a la hora de acometer sus obras, de esta libertad creativa nace Kick-Ass. El escocés Mark Millar firma un guión redondo, vibrante y lleno de guiños a los aficionados al cómic. Esta serie es para adultos, aunque los protagonistas sean un adolescente y una niña de 10 años. Millar no se corta ni un pelo a la hora de representar en toda su crudeza, la violencia imperante en esta obra. Una violencia que puede parecer gratuita, pero que no lo es, pues sin ella no veremos el sufrimiento y lo duro que es pretender jugar a algo que no eres, un superhéroe y las consecuencias que ello conlleva.
Dave Lizewski es un pringao, un chaval mediocre con una vida totalmente simple y anodina, un adolescente que pasa por la vida totalmente desapercibido, le gusta la chica "hot" de su clase, la cual no le hace ni puñetero caso y tiene un grupo de amigos tan frikis como él.
Con lo único con lo que disfruta, aparte de meneársela pensando en su profesora de historia, es leyendo cómics. Dave se siente solo, su madre ha muerto y su padre trabaja 12 horas diarias y un buen dia  decide que quiere ser un superhéroe, se compra un traje molón por Ebay y sale a patrullar la ciudad. El resultado: le dan un paliza, lo revientan a hostias, le rompen las piernas y le acaban poniendo placas de metal en la cabeza.
Por raro que parezca, eso no le desanima, una vez recuperado vuelve a la carga y durante una refriega, en la que curiosamente sale ganador, es filmado y se convierte en todo un idolo en la red.
Dave está como en una ola, se cree un ganador con el nombre de Kick-Ass se ha convertido en un justiciero, admirado e imitado por todo el pais, pero en el fondo  sabe que sigue siendo un fracasado y un perdedor, en su vida privada tiene que hacerse pasar por gay para estar cerca de la chica que ama y eso lo lleva muy mal.

Un dia de patrulla en el que esta a punto de perder la vida, descubre con estupor que la persona que lo salva es una niña, "Hit Girl" que le demuestra que ella si es una verdadera y sanguinaria heroina, acompañada por un hombreton "Big Daddy".
Dave se da cuenta al verles actuar, que ellos si están preparados para ser héroes, él solo es un mierda y a partir de ahi todo se complica.
En la parte gráfica brilla John Romita Jr, un autor que en esta historia da lo mejor de si mismo al ser un trabajo de dos amiguetes, sin presiones ni prisas editoriales ,se lo toma con tranquilidad consiguiendo sin ningún tipo de duda uno de sus mejores trabajos, sencillamente genial.
Una gran obra, que resulta sorprendente y entrañable. Uno de los mejores cómics del año que nos hará disfrutar a todos. ¿Porque, quién no ha soñado de niño con ser un superhéroe

Turok Son of Stone

Turok fue creado en 1954 por la editorial Dell comics, teniendo su primera aparición en el número 596 de Four Color Comics, dos años más tarde lograria tener su propia cabecera.
Este personaje fue creado por Matthew H. Murphy, el editor de la serie, y pese a lo difícil que es rastrear el nombre los autores implicados en  Turok todas las fuentes coinciden en determinar que fue Alberto Giolitti quien escribió el guión del primer número. Lo curioso es que pese a que Giolitti ha sido a la postre quien ha definido el estilo gráfico por el que se conoce al personaje, no fue él quien dibujó el primer episodio sino Rex Maxon.
Turok es un valiente cazador Kiowa, del año de 1880 antes de la llegada del hombre blanco.
Turok y su joven acompañante Andar, salen a cazar cuando una extraña nube surge de las llanuras, al acercarse descubren que en realidad son millares de murciélagos que surgen de una cueva. Agotados deciden entrar en la cueva para buscar agua, pero cuando salen por el otro lado de la gruta descubren un mundo primitivo y salvaje. Rodeados por extrañas criaturas prehistóricas y tribus hostiles y salvajes, afortunadamente durante su viaje descubren unas bayas con un veneno muy tóxico, con el cual al untarlo en la punta de sus flechas logran vencer a los grandes carnívoros. Perdidos en este extraño mundo, intentarán desesperadamente encontrar el camino a su hogar.

Evolución de personajes negros en el cómic.

En una historia clásica de Green Lantern el escritor Denny O'Neil escribió una conversación de gran transcendencia entre el superhéroe y un hombre negro de la ciudad. El hombre le pregunta: "He estado leyendo  mucho acerca de usted... que trabaja para los piel azul... y que en un planeta, no sé donde ayudó a los de piel naranja... y que a ayudado a los de piel púrpura! ¡ pero hay pieles de las que nunca se ha preocupado...! las negras y quiero saber... por qué, ¡ respóndame a eso, señor Green Lantern. La respuesta de la Linterna Verde, " yo...no puedo".

La misma pregunta se puede hacer a los creadores de cómics durante la primera mitad del siglo XX. Antes de la Segunda Guerra Mundial, los negros fueron vistos raramente en las páginas de los cómics. Y cuando aparecieron eran a menudo burdas caricaturas. Sin embargo, una mirada a través de la historia muestra que la imagen de los negros en los cómics eran a menudo un fiel reflejo de la sociedad.

Lothar, fue el precursor del superhéroe negro de hoy, fue el primer personaje negro en aparecer en un cómic sindicado: "Mandrake el Mago", tira de prensa de los años 30. Lothar era un hombre fuerte, semianalfabeto, que se paseaba  vestido con  una piel de leopardo por todas las partes del mundo. Este personaje proporcionaba fuerza física para complementar el cerebro de Mandrake en sus aventuras. Como el caso de Lothar, el reflejo de los personajes negros que aparecen en los cómics en los años 30 y 40  fueron las imágenes estereotipadas de la pobreza y la servidumbre.
En la II Guerra Mundial "Young Allies", cómic basado en un grupo de adolescentes que luchaban contra las fuerzas del eje, aparece un personaje llamado Whitewash que al parecer por ser negro, debia de ser el más tonto del grupo, pues siempre cayó prisionero del enemigo, hasta que no les dio juego a sus creadores y se lo cargan como una desafortunada víctima cuando sus compañeros lo van a rescatar.
En la creación de Will Eisner "Spirit" aparece otro personaje, Ebony White, sus rasgos exagerados y su dialecto de negro sureño, fueron utlizados por Eisner como contrapunto cómico del personaje principal.

Durante los años 50, la caracterización de los negros mejora respecto a los años 30 y 40, gracias a series como "Waku, Príncipe de los bantúes" la cual debutó en 1954. Fue la primera vez que apareció un personaje negro con personalidad en un cómic. Waku, un príncipe tribal africano, fue escrito como un personaje fuerte, inteligente y líder de su pueblo, un cambio positivo en anteriores encarnaciones de personajes de color. Luchó en guerras contra otras tribus, gran cazador de fieras y bravo guerrero, que nunca dudó en enfrentarse a los blancos que pretendian esclavizar a su tribu. El siguiente paso en la evolucion del héroe de color se produjo durante el movimiento de derechos civiles durante los años 60, de nuevo el cómic sirve como espejo de la sociedad. Stan Lee y Jack Kirby introducen a Pantera Negra como oponente de los 4F, la progesión de Pantera Negra no se limitó a ser un super-héroe si no que también es rey de una nación de tecnologia avanzada, (Wakanda) y un cientifico brillante, a la par de genios como Reed Richards y Tony Stark. Años más tarde seria un habitual de los Vengadores y tendria su propia serie en 1973. Otro buen presonaje es el Halcón, compañero del Capitán América y que en poco tiempo pasaria a ver su nombre impreso en la cabecera de la colección, compartiendo aventuras de igual a igual con el Centinela de la Libertad.

Incluso personajes marginados, una vez se han actualizado, recobran un poco de orgullo: Lothar comenzó a hablar inglés de forma correcta y abandonó su taparrabos, mientras que Ebony se paseo por las páginas de Spirit, como alcalde de Central City.
Con la entrada en los 70 se produjo la Blaxplotation, lo negro se puso de moda y encima era comercial, la industria cinematográfica con peliculas como Shaft (las noches rojas de Harlem), se estaban forrando. Este éxito trajo más personajes de origen africano, la mayoria eran estereotipos, tipos cachas y con el pelo a lo afro, personajes como Luke Cage reforzaron la visón de los ghettos que ofrecian las peliculas. Uno de los personajes más populares y duraderos de los 70 es Tormenta, adorada en Africa como una diosa, este personaje fue introducido por Claremont y Cockrum en 1975, para su renovada serie de mutantes los X-Men, hasta ese momento las super-heroinas negras eran prácticamente inexistentes. A diferencia de otros personajes marginales, Tormenta se convirtió en un elemento básico de los X-Men, llegando incluso a ser su lider .

En los 80, las puertas se abrieron de par en par y cada equipo de super-héroes, tanto de Marvel como de DC llevaban al menos un personaje de color entre sus filas. Su estatus habia avanzado y sus ocupaciones eran las mismas que los blancos: médicos, abogados, cientificos que sustituyeron a los matones de barrio, traficanres de droga y proxenetas, atrás quedaron los clichés relacionados con los ghettos que predominaron durante los 70.

Los 90 trajeron un cambio mayor, la recién fundada Image Comics diversificaba aún más el campo de juego. Spawn uno de los cómics mas vendidos de la época, contó con un elenco de personajes predominantemente negros.
Hoy en dia, los cómics reflejan el estado multi-étnico del mundo. Un personaje tiene la misma probabilidad de ser afro-americano, que ser mutante o de Kripton. ¿Qué depara el futuro para el super-héroe negro? Una cosa es cierta los super-héroes de color son un pilar, en los que se apoya la industria y que sigan asi por mucho tiempo!.

Los 4F de Millar y Hitch

Millar y Hitch tocaron la gloria con su personal versión de Los Vengadores, un cómic que partiendo desde cero nos mostraba unos personajes que no tenian que rendir cuentas a su pasado y los podian reinterpretar a su antojo.
La experiencia fue todo un éxito, tanto de ventas como de criticas y puede decirse que con su aproximación al universo Ultimate, consiguieron uno de los mejores cómics de la década.
Tras habernos dejado un gran sabor de boca con The Ultimates, se esperaba con entusiamo su nuevo trabajo al frente de la Primera Familia. ¿Estaban los autores capacitados para el desafio? vista la obra en su conjunto, solo puede decirse que es irregular.
A Millar le gusta trabajar con personajes a los que pueda moldear a su gusto, lo malo de los 4F es que tienen mucha historia a sus espaldas y esa historia lastra mucho a la hora de hacer profundos cambios en los personajes. Si en The ultimates primaba un exceso de violencia, en los 4F el enfoque es hacia las etapas más clasicas. Y ahi viene el fallo de esta obra, Millar se acojonó, no se atrevió a poner su impronta en la obra, le tuvo demasiado respeto a lo hecho por Stan Lee, Byrne o Simonson por poner un ejemplo. Nunca llegó a soltarse, no se apropia de los personajes. De un autor tan irreverente como Millar siempre esperas más, sus personajes en esta historia son estereotipos de si mismos, no te enganchan, no aportan nada a lo escrito por otros autores.
Pero no todo es malo, Millar sabe que desde los tiempos de Stan Lee los 4F funcionan con una extraña mezcla y es la de una familia con problemas cotidianos, para pasar a la siguiente escena con una página espectacular, llena de acción y aventura.
Y hay es donde Millar brilla, pues la trama de ficción es muy grande y está muy bien construida, logrando meter pequeñas sorpresas con las que te engancha. Su apuesta por la ciencia-ficción hace a la obra más espectacular y la saga de Neo-mundo es brillante, aunque al final se pase un pelo con un remedo de Mazinger Z. La siguente saga es de relleno, aqui el autor se acerca a su tierra natal Escocia para contarnos un historia de terror, con un enorme monstruo de por medio. Ya solo queda la parte final, donde el protagonismo es para el Doctor Muerte, en una historia donde Muerte nos presenta a su maestro, esta historia es un tanto tramposa, pues el guionista nos mete en la saga personajes de su obra 1985, y da infinidad de recovecos incluidos viajes en el tiempo, que nos hace acabar un pelin liados, incluida la resurreción de Muerte.
En cuanto a Hitch, se le ve muy suelto y brillante en las escenas de acción, pero falla estrepitosamente al acercarnos las caras de los protagonistas, todo debe de ser debido a prisas editoriales ya que en el último número fue sustituido por Stuart Immonen.
Un cómic entretenido y a ratos interesante en el cual Millar deberia de haberse arriegado más.

Miss América

Miss America (Madeline Joyce Frank), este personaje que vestia un traje decorado con barras y estrellas era una versión femenina del Capitán América. Su primera aparición fue en Marvel Mystery Comics # 49 (Nov. 1943), y fue creado por el escritor Otto Binder y el artista Al Gabriele para Timely Comics, antecesora de la que años más tarde seria Marvel.
Esta heroina tuvo su propia serie en 1944 y su dibujante fue una chica procedente de la animación Pauline Loth. Con la explotación y la falta de ideas durante la Golden Age de los cómics de superhéroes, los editores de cómics se apresuraron a explorar nuevos tipos de historias, personajes y público . En un intento para atraer a jóvenes lectoras, muchas editoriales comenzaron a introducir algunas de las primeras superheroinas  femeninas, como Wonder Woman creada por DC Comics o Blonde Phantom, Namora y Sun Girl para Tymely.
El personaje que daba nombre al título fue abandonado de inmediato, y Miss América pasó a centrarse en las actividades de las adolescentes medias americanas. Se añadian reportajes sobre moda, maquillaje y cocina. En esta época hizo su debut en la serie Patsy Walker, famoso personaje teen que eclipsaría a Miss America y que se convirtió en todo un fenómeno adolescente. Madeline Joyce nació en Washington, DC, y es  sobrina  de un magnate de la radio James Bennet, que patrocinaba al profesor Lawson, un científico que inventa  un dispositivo capaz de generar enormes fuerzas motrices. Joyce, en secreto manipula el artefacto disparándose accidentalmete. El científico presa del pánico,al ver a la  joven aparentemente muerta, destruyó el aparato y luego se suicidó. Joyce sobrevió con grandes poderes para luchar contra el crimen y la injusticia, vestida con su colorido y patriótico traje de Miss America

El primer crossover de Marvel.

El enfrentamiento entre La Antorcha Humana y Namor, ocurrido en el Marvel Mystery Comics, correspondiente a junio de 1940, inauguró una tradición de encuentros entre superhéroes que se ha convertido en uno de los elementos más populares de la compañía.
La creación del concepto se atribuye por regla general a Carl Burgos y Bill Everett, aunque este último reconoció que"Martin Goodman tuvo mucho que decir en el contenido editorial".
Para cuando se publicó esta novedosa aventura, La Antorcha habia aprendido a controlar su llama, tenía una identidad humana, y era policía de la ciudad de New York. De modo que fue su deber, asi como un placer, entrar en acción cuando el antisocial y malhumorado Namor enloqueció y destrozó un ferry, un tren y hasta la parte superior del Empire State Building.
Cuando se enteró que la antorcha andaba tras sus pasos, Namor se enfado mucho:"!Imbeciles¡¿Qué habré de hacer para impresionarles?" Tras destrozar un túnel, destrozó el zoo del Bronx, pero demostro que tenía su coranzocito al salvar a un niño de una estampida de elefantes. Para acto seguido, destrozar el puente George Washington.

 Cualquier cosas hubiera sabido a poco en el momento en que La Antorcha hizo su aparición, de modo que la pelea se pospuso hasta el número siguiente, en el que veintidós páginas de furiosa acción y destrozos multiples, acabaron en un complicado punto muerto, apostillado por la pregunta:"¿ Cuál crees tú que será el desenlace?" Los lectores hubieron de esperar otro mes más para un final que se resolvió en una página y que permitió a ambos personajes salir de escena sin perder la cara y con su orgullo intacto.
Para entonces las ventas sa habían disparado y cientos de miles de niños andaban locos de entusiasmo. La batalla aún se recuerda como uno de los grandes momentos de la Edad de Ero.

El villano más friki de la Marvel.

Si por algo sobresale Marvel, es por su cuidado elenco de villanos, capaces de poner en jaque a cualquiera de los héroes en todo momento y situación destacando el Dr.Muerte, Magneto, Loki, Galactus etc..
Pero hubo uno que se salía y no precisamente por lo molón, esta delirante némesis no era otro que "The Living Eraser".
"En esto de los comics-books", comenta Stan Lee, "nunca dejas de buscar nuevos villanos." A lo largo de los años, Marvel ha creado algunas de las más espléndidas amenazas del universo, y también un villano que fue especialmente concebido a modo de broma privada: El Borrador Viviente, la amenaza definitiva para unos héroes que no eran, en realidad más que lineas de lápiz sobre un papel.
Era un maloso capaz de hacer que la gente desapareciese haciendo unos simples gestos con las manos. "Me divertí mucho creándolo", comenta Stan Lee con una sonrisa que le llega de oreja a oreja.
El Borrador Viviente apareció en el nº 49 de Tales of Astonish (noviembre de 1963), e intentó borrar del mapa al vacilante Hombre Hormiga, el cual se hallaba en proceso de convertirse en el Hombre Gigante. Desgraciadamente, por exigencias del guión, Lee se vio obligado a explicar el sistema de" borrado"; este era un método de viaje entre dimensiones, aunque tal explicación lógica no invalidó las llamativas imágenes del Hombre Hormiga y sus amigos siendo borrados de la página. Como encarnación de una utilización casi surrealista del medio, El Borrador Viviente fue definitivamente y afortunadamente único en su especie