El Hombre Hormiga (primeros años)

Antes de que Spiderman obtuviera su propia serie, otro superhéroe  relacionado con los insectos conseguiría su propia serie regular, iniciada en Tales to Astonish # 35 (septiembre 1962), el cientifico Henry Pym descubrió una fórmula que le reducia de tamaño y se convirtió en el Hombre Hormiga (Ant-Man).
Asimismo, inventó un casco con antenas que le permitia comunicarse con sus amigos los insectos, aunque ciertamente el valor de tales logros era dudoso y Pym no tenia una personalidad lo suficientemente atractiva para el público lector.
Stan Lee y Jack Kirby empezaron a implicarse en otros proyectos, tras lanzar al Hombre Hormiga, lo dejaron casi inmediatamente en manos del guionista Larry Lieber y del dibujante Don Heck, que enseguida se dio cuenta de lo insulso del personaje, ya que se pasaba el dia galopando a lomos de las hormigas. Pese a todo tenia un traje y unos poderes molones, lástima que los guiones no estuvieran a la altura de nuestro pequeño personaje.

Don Heck, que inició su colaboración con la compañia en 1954, se definia a si mismo como un artesano y tras haber pasado por varias series, Heck conseguiría por fin la oportunidad de mostrar su valia, pero todo lo que pudo hacer con el Hombre hormiga fue colmar de atenciones a la hermosa ayudante del héroe, La Avispa (Janet Van Dyne) que más tarde se convertiría en su mujer.

La Avispa, que hizo su aparición en la décima historia, nunca fue presentada como una chica muy profunda, pero los dibujos de Heck la hicieron muy dinámica y atractiva.
Tras otros cinco números, se intentó salvar al vacilante Hombre Hormiga, convirtiéndolo en el Hombre Gigante, pero pese a su nuevo tamaño, el héroe nunca lograria triunfar, aunque él y su pareja tuvieron su momento de gloria cuando sus creadores Stan y Jack se acordaron de ellos para formar el supergrupo conocido como Los Vengadores (septiembre 1963), aun asi el personaje no pareció haber sido tocado por la magia de Marvel.

The Nam: Primera patrulla

Si la II Guerra Mundial sirvió para unir a la nación frente a un mal evidente como era el nazismo, la guerra de Vietnam representó para el pueblo norteamericano, una fractura social y un sentimiento de derrota, que en la actualidad todavia no se ha cerrado.
Esta guerra fue representada en todas las variantes culturales desde mus distintas perspectivas; la literatura, el cine y el cómic se hicieron eco de ella, en algunos casos justificándola y en otros repudiándola. Aunque seria años después de su finalización, cuando se volveria a ella para hacer un retrato más realista de la misma, peliculas como Platoon (1986), por poner un ejemplo, abrieron el camino a mostrarnos en toda su crudeza la guerra de Vietnam.
La pelicula fue un éxito de público y critica, este detalle no pasó desapercibido al avispado Jim Shooter, este llamo a Larry Hama, editor de otra serie bélica G.I. Joe, proponiéndole una serie sobre la polémica guerra. Hama habia paticipado en la misma y era consciente de que para hacer algo diferente habia que ser lo más realista posible. Para ello ofrece la serie a otro veterano de Vietnam como era Doug Murray y a un joven Michael Golden.

Esta nueva serie bélica fue diferente y rompedora por muchas razones; está contada desde la mirada de un soldado raso, Edward Marks, la acción transcurre en tiempo real, cada cómic reprentada un mes en la vida del personaje, no es complaciente con algunos mandos a los que presenta como corruptos, nos presenta fielmente la dificil interación de los soldados con la población local; el Viet Cong es tratado con dignidad, sin maniqueismos, y por último la crudeza de sus combates. Todo esto aportó al conjunto de la obra una frescura y realismo, que lo convirtieron en un clásico inmediato.

Aun asi, pese a ser una obra valiente y vanguardista, fue lastrada por ese cáncer que fue el Comics Code, aunque sus autores se las apañaron para bordearlo, sin la censura, la obra habria sido más dura y por supuesto más critica, pese a todo ello se convirtió en una de las mejores series publicadas por Marvel durante los años 80.
Michael Golden , despliega todo su talento, a medio camino entre la caricatura, con la que representa los rostros de los personajes y el realismo con el que dibuja el armamento de los soldados, consiguiendo su trabajo más personal y uno de los más recordados de su carrera.

Este tomo de Panini recoje las 10 primeras historias, con un nuevo y lucido coloreado. Murray y Golden estarían en la serie dos números más, otros autores se harian cargo de la misma, pero sin ellos la serie no seria lo mismo y al final pasaria por ella un tal Frank Castle, con lo que la serie enlaza con el universo Marvel más convencional.
Buena obra, contada con sinceridad y talento, que demostró a Marvel que podia haber vida más alla de los superhéroes, lástima que nadie cogiera el testigo.

The Beast of Yucca Flats

USA 1961
Director: Coleman Francis.
Productora: Cardoza-Francis Films.
Productor: Anthony Cardoza.
Guión: C. Francis.
Música: Irwin Nafshun, Al Remington.
Montaje: C. Francis.
Maquillaje: L. Aten.
Efectos especiales: Ray Mercer.
Intérpretes: Tor Johnson, Douglas Mellor, Larry Afen, Barbara Francis, Bong Stafford, Tony Cardoza, Conrad Brooks.
Duración: 60 minutos, B/N.

"Temporada de vacaciones. Un hombre y su esposa desconocen los avances de la ciencia", dice el narrador para presentar a las primeras victimas de la Bestia. Y ésta es sólo una de las muchas perlas que la atrofiada y reiterada voz en off de este film imposible desgrana a lo largo de su menguado metraje.
En tosco blanco y negro y prácticamente sin dialogos, Coleman Francis realizó este verdadero prodigio del cine casposo acumulando errores y soluciones incompetentes con tanta impudicia que The Beast of Yucca Flats aparece hoy casi como una extraña muestra de vanguardia casual, su nada convencinal narrativa, las interpretaciones sonámbulas, las acciones abstractas de puro tontas (la Bestia persigue a unos niños armada con unas ramas) y esa inoperante voz en off tan amiga de recurrencias, se combinan en un insólito efecto de hipnótica extrañeza.

El ex-campeón de lucha libre de origen sueco Tor Johnson, actor fetiche de otro director friki, Ed Wood jr, encarna en su registro habitual a un cientifico de origen ruso que en el curso de una emboscada, es afectado por unas radiaciones que le convierten en la Bestia de Yucca Flats. Virtual premio nobel reducido a una grotesca  especie de eslabón perdido por obra y gracia de la energia atómica, Johnson se ocultará en una cueva y dedicará su tiempo libre a darle unos cuantos sustos a todo aquel dominguero que le incordie.
Su vida de buen salvaje eternamente enfadado no llegará a buen fin, pues la policía acabará con él tras unas persecuciones ajenas a todo sentido del espectáculo.

La Bestia no obstante, se despedirá del mundo con un postrero y críptico gesto de humanidad, realizado con su enorme mano, liberará al conejito que se ha ido a colocar bajo su corpachon de casi doscientos kilos de carne inerte.
El público que haya llegado hasta ahí se preguntará, si con la Bestia muerta, ¿quién demonios estrangula a esa chica semi-desnuda poco antes de los créditos finales?.

The Flame

The Flame era un curioso personaje que apareció en los cómics publicados por la editorial Fox Feature Syndicate, más exactamente en una revista genérica llamada Wonderworld Comics #3 (July 1939), donde Will Eisner hizo los guiones y Lou Fine se encargó del dibujo.
La Llama ganó su propio título en el verano de 1940, este tuvo ocho números hasta enero de 1942, fue uno de los tres grandes éxitos de la editorial junto a Blue Beetle y Samson.
La identidad secreta de La Llama es Gary Preston, cuando Gary era un bebé, su padre el mayor Preston que trabaja como misionero en China, vió como la región donde estaba fue arrasada por una terrible inundación, aun asi se las arreglo para salvar al bebe colocándolo en una canasta. Milagrosamente el joven sobrivivió, siendo rescatado por un grupo de lamas en el lejano Tibet. Este grupo de monjes le adoptó y crió como uno de ellos, siendo de pequeño adiestrado en las artes misticas que controlaban el poder del fuego. También moldearon su cuerpo a base de un duro entrenamiento convirtiendo al joven en un atleta perfecto.

Gracias a dicho entrenamiento puede controlar el fuego, incluyendo su propia temperatura corporal, la cual puede elevar hasta hacer estallar en llamas o fundir balas, aunque su poder más extraño era el de materializarse en cualquier lugar donde halla fuego, por ejemplo si estás fumando un cigarro te surge el fulano del mechero. Con el fin de producir fuego cuando lo necesite, La Llama lleva una pequeña pistola con el poder de un lanzallamas. Su única debilidad es el agua. que puede llegar a matarlo.
Cuando Gary se convirtió en adulto, regresó a América para luchar contra la delincuencia y contra los enemigos de su nación como nazis y demás villanos que amenazaban la paz mundial, para ello utlizó el nombre de La Llama.

En Comics Wonderworld # 30 (octubre de 1941), La Llama tuvo una compañera también con poderes llameantes con el nombre de Flame Girl, la joven era en realidad su secretaria Linda Dale y vestia un uniforme similar al protagonista masculino. El personaje pese a tener cierto éxito no fue nunca uno de los grandes, ya que la Antorcha Humana, personaje también con  unos poderers similares creado por la editorial Timely se llevó toda la gloria, aun asi era divertido y nos proporcionó grandes momentos.

Frankenstein and the Monster from Hell

Gran Bretaña 1973
Director: Terence Fisher.
Productora: Hamer Films.
Productor: Roy Skeggs.
Guión: John Elder (Anthony Hinds).
Fotografía: Brian Probyn.
Música: James Bernard.
Montaje: James Needs.
Efectos especiales: Eddie Knight.
Intérpretes: Peter Cushing, Shane Briant, Madeline Smith, John Stratton, Bernard Lee, Clifford Mollison, Dave Prowse.
Duración: 99 minutos. Color.

Cuatro años después de realizar la magistral, violentisima y enfermiza El cerebro de Frankenstein (1969), Terence Fisher puso fin a su carrera con Frankenstein and the Monster fron Hell, una nueva pesadilla blasfema, ambientada esta vez en un hospital psiquiátrico y protagonizada por un Frankenstein más alienado que nunca.
A la total falta de escrúpulos y compasión mostrada en peliculas anteriores, el cientifico aristócrata añade ahora la malsana frustación de no poder practicar la cirugia, debido a la pérdida de sus manos, gravemente dañadas en el incendio que cerraba El cerebro de Frankenstein.
Shane Bryant es el doctor Simon Helder, un cirujano apasionado por los trabajos del doctor Frankenstein. Cuando la policia descubre que ha desenterrado cadáveres para realizar sus experimentos, Helder es acusado de brujeria y encerrado en un sanatorio mental, donde nada más ingresar, es torturado por orden del director.

Al poco tiempo, Helder descubre que Frankesntein es quién en la sombra, maneja los hilos del sanatorio, imponiendo su voluntad al director del centro, un psicópata violador. Helder y Frankenstein comienzan a trabajar juntos con los experimentos del segundo, que derivan en la creación de una nueva criatura, construida con el cuerpo deforme de un demente de gran fuerza y las manos de un loco apasionado por la música.
Los cientificos completan al ser con el privilegiado cerebro del doctor Durendel, un interno de inteligencia asombrosa, lo que se rebela como el principal error del experimento, cuando la criatura descubre el cadáver de Durendel, enloquece y siembra el terror entre los internos.

En este film, Fisher renucia (salvo en determinadas escenas) a la truculencia, al horror macabro y al goticismo propio de las entregas anteriores, para adentrarse en el trazo dramático. Frente a la violencia in crescendo de El cerebro de Frankenstein, o el erotismo de Frankenstein Created Woman (1966), el tándem Fisher/Hinds apuesta por una visión lánguida y melodramática de los personajes y del  discurrir argumental. Frankenstein atormentado, casi apagado, es tan sólo la sombra del loco violento de la entrega anterior. Helder, es un idealista al que la realidad golpea con furia, Sarah la protagonista femenina, es un ángel bondadoso, muda por culpa de una violación, Durendel un hombre inteligente quese suicida por desesperación.
Más que terrorifico, todo es trágico en este film, incluso su propio destino, ser la última pelicula de un gran artista, de un maestro.

AXA

Enrique Badía Romero, es un autor de largo recorrido ya que empezó a dibujar como profesional en 1947, aunque saltaría a la fama internacionalmente al sustituir al creador gráfico de Modesty Blaise, Jim Holdaway en las tiras de prensa publicadas por el diario londinense Evening Standart, donde estuvo desde 1970 hasta 1978.
Sin embargo su cómic más personal seria AXA, también creado para el formato de tira de prensa y esta vez publicado por el diario sensacionalista The Sun, con guiones de Donne Avenell. La serie empieza a publicarse el 4 de julio de 1978, siendo un gran éxito, ya que el primer año de su publicación gana el premio a la mejor tira europea. Aparte se estaba publicando en casi una veintena de paises, llegando incluso a hablarse de un versión cinematográfica, pese a todo ello y de forma sorprendente el diario cancela la serie el 16 de abril de 1985, dejando inconclusa su última historia. Estas tiras de prensa fueron publicadas por Forum en 9 cómics en una colección genérica basada en la fantasia heroica.
Pero AXA no se habia acabado, ya que la editorial Sueca, Magnum, decide contratar a Romero para que prosiga las aventuras de su personaje, el trabajo le gusta al autor, ya que la editorial no agobia con las fechas de entrega y el dibujante puede dar lo mejor de si mismo. Esta edición sueca es la que recoje en su tomo la editorial Ominiky.

El personaje en una guerrera en un mundo post-apocaliptico, una guerra nuclear ha devastado nuestro mundo, aunque algunos humanos han logrado sobrevivir, entre ellos está la joven AXA. Muertos sus padres y criada por un águila, conocerá lo peor del hombre y aun asi recorrerá el mundo para salvar a la humanidad y todo lo que ello representa.
Con reminiscencias de Red Sonja, por lo escueto de su ropaje (cuando lo lleva) e ir armada con una espada, AXA es una mirada inocente a un futuro distópico, pero también rebosa feminismo, siendo un alegato en favor de la libertad y el ecologismo.

Libre del encorsamiento de las tiras de prensa, Romero hace un trabajo cuidado y espectacular, su dibujo brilla a gran altura, dando a la narración vigor y fuerza. Especialmente dotado para plasmar la belleza femenina, consigue que su personaje rebose sensualidad, consiguiendo una de las heroinas más hermosas del mundo del cómic.
Si gráficamente el desarrollo es vistoso, los guiones son flojos, siendo una mirada simple y amable de un futuro que se prevé oscuro; aun asi sólo por la belleza con la que dota a su personaje y el vigor de su narrativa vale la pena echarle un vistazo y de paso recordar a un grande de nuestro cómic que desgraciamente está siendo olvidado.

Critters

USA 1986
Director: Stephen Herek.
Productora: New Line-Smart EGB-Sho Films.
Productor: Rupert Harvey.
Guión: Dominic Muir, Don Opper y Stephen Herek.
Fotografía: Tim Suhrstedt.
Efectos especiales: Charlie y Steve Chiodo.
Intérpretes: Dee Wallace Stone, M. Emmet Walsh, Billy Green Bush, Scott Grimes, Nadine Van der Velde, Don Oper, Billy Zane, Ethan Phillips, Terene Martin.
Duración: 86 minutos. Color.

A pesar de que algunos crititicos han querido ver en Critters un intento de recuperar el espíritu del cine clásico de los montruos extraterrestres, la pelicula de Stephen Herek es a ciencia cierta algo mucho menos ambicioso.
Diseñada como titulo de consumo al amparo del éxito obtenido por la brillante Gremlins (1987) de Joe Dante, Critters nació sin ninguna pretensión, fagocitando con parquedad los toques frivolos de la cinta de Dante, sin aportar nada nuevo.
Aun asi, el producto de Herek no era absolutamente defenestrable, el retrato de una comunidad de anormales (una familia de granjeros de Kansas), el tonto del pueblo y un Sheriff demencial, luchando junto a dos imposibles cazadores de aliens contra una amenaza del espacio exterior con forma del Diablo de Tasmania, resulta por momentos carcajeante.

Critters consiguió pese a ser un producto menor, un éxito notable, por lo que la llegada de las predecibles secuelas no tardó en producirse. La primer de ellas Critters 2 (1986), dirigida por un insulso Mick Garris, acaba protagonizada por los hipotéticos cazadores de aliens, mientras que Critters 3 (1992), de Kristine Peterson, narraba con bastante gracia y brillantes gags una situación limite, un grupo de personas que queda atrapado en un edificio, acosados por las voraces y antipáticas criaturas, creadas por los hermanos Chiodo, también responsables de otro desmelene grotesco relacionado con extraterrestres hilarantes: Clowns asesinos (1988).