domingo, 6 de noviembre de 2016

El Doctor Extraño de Lee y Ditko

La semilla del personaje fue sembrada en Amazing Aventures # 1 (junio de 1961) donde de la mano de Stan Lee y Steve Ditko, fue presentado El Dr. Droom, un médico occidental que es llamado por un anciano lama, este le somete a unas duras pruebas donde demuestra su valor, el anciano le transfiere antes de morir todo sus conocimientos misticos, dándole poder para enfrentarse a todos los poderes ocultos de nuestro mundo.
Asi en 1963, los conceptos anteriores fueron actualizados y en Strange Tales # 3 (julio-63) aparece el Dr. Extraño, que compartia cabecera con una adolescente Antorcha Humana. Esta presentación de apenas cinco páginas fue concebida como una historia autoconclusiva, donde empezó a aparecer y desaparecer repetidamente del titulo, pero un año después gracias a las cartas de los seguidores que inundaban la redacción, ya habian empezado a publicarse regularmente.
Los autores nos presentaron al cirujano Stephen Extraño un orgulloso y mezquino ser obsesionado con el dinero, pero su vida da un cambio radical al perder la sensibilidad de sus manos, debido a un accidente de coche, convertido en un despojo humano, oye hablar del anciano, un poderoso mago, que vivia en Tibet, tras un dura travesia exige al viejo que lo cure de sus manos, pero en vez de ello se hace su aprendiz, donde llegará a descubrir el poder de las artes místicas y la magia negra.
En esta presentación destaca el Barón Mordo, otro occidental dispuesto a aprender la magia, aunque en este caso para hacer el mal y que se convertiría a lo largo de la serie en el principal enemigo de Extraño. Pero aparte, el personaje viajaba incesantemente hacia mundos insólitos y dimensiones increíbles, donde debía enfrentarse a terribles amenazas como Pesadilla, Dormammu o Eternidad, también se enfrentaba a dioses nórdicos como Loki; con todo su entorno era quizás el más inusual de los que podría hallarse en los cómics-books.
El excéntrico y sombrío estilo de Ditko resultaba perfectamente adecuado para le definición de dichos reinos de pesadilla y el Dr. Extraño, el extravagante mago, fue el primer héroe, aparte de Spiderman, que Ditko realizó de forma regular.
El Dr .Extraño era en gran medida un producto de su tiempo. La atracción del misticismo era muy poderosa en los años sesenta, con la aparición de una generación joven y rebelde que forjó una contracultura y rechazó el materialismo en favor de valores más espirituales. La afinidad del Dr. Extraño con las actitudes bohemias se hacia patente incluso en el lugar en que vivia, Blecker Street, en Greenwich Village, Nueva York.
A pesar de su influencia, e innegable calidad la primera serie del personaje, no sobrevivió a los años sesenta, quizás las desavenencias entre sus creadores, con la consiguiente marcha de Ditko de la serie, fue un duro palo para la misma, ya que otros dibujantes posteriores no fueron capaces de transportarnos tan fácilmente a lo desconocido. El Dr. Extraño de Lee y Ditko se acabó convirtiendo por mérito propio en una obra de culto, que el paso del tiempo no ha hecho más que fortalecer.

Estela Plateada de Stan Lee y John Buscema

A mediados de los años 60 la serie de Los 4 Fantásticos adquirió unos tintes cósmicos y místicos que nadie habría creido posibles en el medio, los cohetes y platillos volantes, que tanta transcendencia tuvieron en los relatos de ciencia ficción de poco tiempo atrás, se convirtieron en vehiculos mundanos utilizados para visitar otros planetas.
Pero para los lectores de Marvel eso no supuso un problema, ahora era posible acompañar a Los 4 Fantásticos al Subespacio, al interior de la Zona Negativa y a través del Infinito. Aunque las historias del grupo dieron un salto cualitativo con la llegada de Galactus, un gigantesco alienigena que se alimentaba de la energia de planetas, sin embargo este ser no venia sólo, a su lado estaba Estela Plateada; esto ocurrió en The Fantastic Four # 48 (1966),
Stan Lee y Jack Kirby habian discutido la historia y prácticamente estaba cerrada, pero Kirby tuvo la brillante idea de meter un heraldo que precediera la llegada del Devorador de Mundos, el personaje fue toda una sorpresa y todo un éxito, ya que pese a su apariencia y servir a uno de los más terroríficos villanos del cómic, el ser cuasidivino conocido como Galactus, Estela vio la grandeza del ser humano y se enfrentó a su amo convirtiéndose en un héroe, pero fue condenado a pasar el resto de su vida en la Tierra, siéndole negado cualquier acceso al universo infinito que tanto amaba.
El personaje siguió saliendo en los cómics de Los 4F y en cada aparición se hacia más popular, por lo que Stan Lee decidió darle su propia colección, Silver Surfer # 1 (1968) aunque esta vez el encargado del dibujo era John Buscema. Los autores inventaron un pasado para el Centinela de los Senderos Siderales y se reveló que inicialmente el personaje había sido Norrin Rad, un inquieto habitante del planeta Zenn-La, un pacifico y utópico mundo. Cuando su raza fue amenazada por Galactus, Norrin Radd la salvó ofreciéndose  a convertirse en el heraldo del Devorador de Mundos, aunque lo verdaderamente terrible sería tener que abandonar a su amada Shalla Ball.
Los guiones de Lee dotaron al personaje de nobleza y cierta carga filosófica al hacerle un observador imparcial de la locura humana, raza a la que intenta entender pero de la que sólo recibe odio e ira. Sin lugar a dudas un hecho decisivo para el devenir de la serie sería, que un alma tan noble como la de Estela tuviera su contrapartida y asi en el nº 3 de la colección surge Mefisto, la reencarnación del demonio que ansia la pureza del alma y que se convertiría en el enemigo por excelencia de toda esta etapa.
La colección fue cuidada al detalle, ya que tenia el doble de páginas de lo normal y también precio doble, John Buscema logró un trabajo excepcional, frente a la corpulencia de Kirby estilizó al personaje, impregnando toda le serie de clasicismo y belleza, convirtiendo cada viñeta en una obra de arte, pese a la enorme calidad que atesoraba la serie no lograba despegar con la ventas, ya fuese por el precio de la misma o por que un alienigena noble, contemplativo y altruista era ciertamente una anomalia en el violento mundo del género superheroico. En cuanto al precio, se rebajó en el nº8  y a Estela se le fue dando paulatinamente una ferocidad y salvajismo que no le sentaron nada bien y tras dieciocho número se canceló.
El paso del tiempo ha puesto la serie en el lugar que le pertenece, una serie que simbolizó el más sincero esfuerzo de Marvel por elevar a cotas superiores un género tan encorsetado como el de los superhéroes.

viernes, 30 de septiembre de 2016

Amazing Fantasy

En 1951, la pequeña editorial de cómics conocida anteriormente como Timely y propiedad de Martin Goodman, rompe con su distribuidora, Kable News y crea su propia distribuidora nacional, The Atlas News Company, la eliminación de intermediarios suponia el incremento de beneficios, asi a finales ese mismo año el logotipo de Atlas "un globo blanco y negro" aparecia en todos los cómics de Goodman.
La crisis producida en 1954 por el Dr. Fredric Werham y su libro sensacionalista "la seducción de un inocente" llevo a los cómics al senado, donde todos sus conceptos fueron investigados, Muchas editoriales fueron a la quiebra, Goodman pudo evitar los defectos del desastre.
Pero en 1957, las cosas lejos de mejorar empeoraron  y Atlas y su rama de distribución se fue convirtiendo en un lastre, ya que al no haber muchos cómics que distribuir y ser los costes muy altos, a Goodman no le quedo más remedio que cerrar Atlas y firmó un acuerdo con la American News Company, una de las mayores distribuidoras de revistas del pais, lo que pareció una buena idea en su momento, acabó en un desastre ya que la American estaba al borde de la ruina y de pronto pareció que no hubiera forma de que la pequeña editorial distribuyera sus comics-book al público.
De algún modo la compañia consiguió sobrevivir, aunque ya no tenia nombre, puesto que la marca Atlas había desaparecido para siempre, la solución fue llegar a un acuerdo con una rival en el mercado como era DC y que esta distribuyera  sus cómics, pero DC le hizo restricciones en cuanto a números de cómics publicados, Goodman sólo pudo situar ocho lanzamientos mensuales, un duro revés para una editorial que llevo a sacar hasta 60 números mensuales. Por la tanto había que hilar fino para no llegar a la quiebra y acertar con el contenido de las publicaciones.
Y el género con el que pudo subsistir fue la ciencia ficción y dentro de la misma un subgénero, el de los monstruos los cuales eran muy populares en el cine y la televisión de la época y cuyo ejemplo más representativo fue sin duda Godzilla (1954).
Hacia 1958, Stan Lee pudo ofrecer trabajo a gente tan importante cono Jack Kirby, Steve Ditko, Don Heck o Dick Ayers y lo consiguió con titulos como Strange Tales, Tales to Astonish, Journey Into Mystery o Tales of Suspense.
La atracción principal de cada número de estas colecciones era una gigantesca criatura dibujada por Kirby, con un exótico nombre como Torr, Zzuttak, Sserpo, Kraa, Grottu, etc, estos salvajes aunque poco amenazadores seres, se prolongarían hasta entrar en la década de los 60 con Amazing Adventures (1961) un nuevo titulo mensual de monstruos y suspense, donde la historia principal y más larga de duración estaba dibujada por Kirby, acompañado de dos relatos más cortos, de una cinco páginas los cuales solian estar dibujados por Ditko o Heck.
Como curiosidad en los relatos breves destaca la aparición del Dr. Droom  un personaje que tanto en sus origenes y conceptos puede ser considerado el germen donde nació el doctor Extraño.
En su número 7 pasó a llamarse Amazing Adult Fantasy (diciembre de 1961), este cómic no estaba dedicado en exclusiva a los monstruos, sino que eran historias de corte fantástico y misterio, estaban dedicadas a un público más adulto, Los guiones de Lee eran inteligentes y todas las historias hasta su cancelación estaban dibujadas por Ditko, con estos sombríos e intensos relatos el dibujante se ganó su culto de seguidores.
En el número 15 (septiembre de 1962) se produjo un afortunado debut, el de un apocado y timido adolescente al que pica una araña radioactiva y acaba convertido en un supehéroe llamado Spiderman, que con el tiempo acabaría convertido en el emblema de la compañia.
Este número fue todo un éxito e inundó las oficinas de cartas de entusiasmados fans, pero aun asi la serie se canceló por sus bajas ventas, ya que un nuevo género surgia con fuerza, los superhéroes habian vuelto,
Este tomo de Marvel Edición Limitada, nos  acerca a una època diferente, otra forma de entender el cómic más simple y sencilla, la cual duró poco pero acabó aportando mucho, ya que personajes como La Cosa y La Masa son hijos de estos monstruos febriles que dominaron los cómics durante la década de los 50. Y poder disfrutar del arte de Kirby o de Ditko no tiene precio.

lunes, 29 de agosto de 2016

Namor: El Hombre Sub-Marino

Namor fue el primer superhéroe de Marvel y sigue siendo uno de los más notables, creado por Bill Everett en la nueva linea de cómics creada por el editor de pulps Martin Coodman, con el nombre de Timely Publications. El personaje debutó en Marvel Comics # 1 (octubre 1939), surgido en una época donde los héroes de cómic eran nobles benefactores sin una `personalidad real, el príncipe Namor venia a ser un rebelde con mal humor y peor actitud. Era casi un villano, pero sin embargo llegabas a empatizar con él, ya que luchaba para proteger a su pueblo y su hogar de una civilización agresiva que no respetaba ni a otras culturas ni el equilibrio de la naturaleza. El monstruo del fondo del mar simbolizaba la lucha contra el racismo, la explotación y contaminación de su mundo submarino, convirtiéndose en un moderno antihéroe.
A mediados de los 40 y con la gran guerra finalizada, los superhéroes perdian interés, a los jóvenes les atraían otros géneros como el terror, crimen, vaqueros y románticos que embelesaban a un nuevo y potencial lector de cómics, las chicas. Asi el altivo y enfurecido Principe de Atlantis tras noventa y dos números fue cancelado una década después en junio de 1949.
A mediados de los años 50, Marvel bajo el nombre de Atlas intentó revivir a tres de sus personajes estrella de la Edad de Oro, La Antorcha Humana, El Capitán América y Namor, este último fue dibujado por su creador Bill Everett en abril de 1954, de los tres personajes fue el que más duró, diez números frente a tres de sus rivales, este pequeño éxito fue debido a que el estilo del autor habia evolucionado, combinaba la ilustración clásica con ciertos matices caricaturescos, dotando al personaje de un aspecto más estilizado y elegante, aun asi la serie se canceló.
El estallido de creatividad que desembocó en la moderna Marvel se inició en 1961, donde un torrente de ideas parecia fluir de las páginas, mientras el concepto del superhéroe era renovado y revitalizado, asi surge en ese año The Fantastic Four #1, donde en el número cuatro nuestro colérico héroe fue rescatado como villano por Stan Lee y Jack Kirby, aunque poco a poco fue derivando a un personaje más ambiguo no exento de un código ético y moral. convirtiéndose en un`personaje tan interesante y popular como el cuarteto al que combatía y obteniendo colección en Tales to Astonish donde compartia cabecera con otro ilustre inadaptado, Hulk.
Este volumen de Marvel Edición Limitada recoge toda la etapa del personaje al frente de Tales o Astonish # 70-101 (agosto 65-marzo 1968), aunque el tomo comienza con el enfrentamiento de Daredevil y Namor, en Daredevil # 7 (abril-1965) cómic mítico ya que fue el primero donde el Hombre sin Miedo lució su traje rojo, en esta historia el General de Atlantis y señor de la guerra Krang, convence a Namor para exija su legitimo lugar en la superficie y demanda a la raza humana por privarle de su legado, contratando a Matt Murdock para que pleite en su favor, ante la imposibilidad de lograrlo comienza a destruir la ciudad, tras enfrentarse a Daredevil, descubre que todo es una conspiración por parte de Krang para alejarlo de Atlantis y hacerse con el poder, todo ello contado por Stan Lee y dibujado por el gran Wally Wood.
Esta historia continuaría en Tales to Astonish # 70 donde Krang consigue derrotar a Namor, siendo salvado por Lady Dorma, para volver a recuperar su reino debe conseguir el Tridente de Neptuno, aunque para ello debe pasar por terribles peligros. Esta saga duró hasta el nº 87 y estaba dibujada en su mayoria por Adam Austin nombre que no dirá nada a los aficionados pero era un seudónimo de Gene Colan, que en números posteriores firmaria con su verdadero nombre.
A partir de ahi la parte gráfica corrió a cargo de diversos autores como su creador Bill Everett, el elegante Dan Adkins, Marie Severin y Werner Roth, autores en su conjunto cumplidores y poco más, de los guiones pasó a ocuparse un joven Roy Thomas y un veterano como Archie Goodwin, las historias eran muy simples y repetitivas en su conjunto, Los villanos eran penosos con nombres como Krang, Attuma, Byrrah, El Saqueador o Destino.
En su conjunto se puede decir que el paso del tiempo no ha sido muy benévolo con estas historias. Otra cosa es la que cierra el tomo, la expansión de Marvel propició que varios superhéroes que compartian colección con otros personajes tuvieran sus propios titulos asi surge Namor: The Sub-Mariner # 1 (mayo 1968), esta historia enlazaba con el nº 4 de The Fantastic Four, donde nos explicaban la causa de la amnesia del hombre Submarino, aventura firmada por Roy Thomas y dibujada por el gran John Buscema.
Lo dicho, tomo para disfrutar del arte de Wally Wood, Gene Colan, una breve historia de Kirby y John Buscema, los guionistas de Tales to Astonish no supieron sacar rendimiento al enorme potencial que poseía el personaje.

sábado, 16 de julio de 2016

Estela Plateada: La oscuridad más allá de las estrellas

Novela gráfica publicada en 1996 y cuyos creadores fueron  Ron Marz y Claudio Castellini. Esta publicación es una edición limitada de 1500 ejemplares todas firmadas por el dibujante y que nunca habia sido publicada en nuestro pais.
Esta obra surgió bajo el amparo del editor Tom DeFalco, siendo diseñada para ser publicada a gran tamaño y en blanco y negro, la marcha del editor, unido a la llegada de Bob Harras supuso un cambio drástico en el proyecto, ya que se publicó a color y a tamaño convencional, con lo cual muchas páginas fueron recortadas para adaptarlas a su nuevo tamaño.
Por lo tanto, esta nueva edición respeta el tamaño y B/N original, cosa por la que sus autores llevan tiempo peleando.
Galactus convoca a su antiguo heraldo, para rogarle que le ayude a localizar un cometa que vaga por la galaxia y en cuyo interior existe un gran poder, que sólo el debe poseer, pero hay más fuerzas que desean lo mismo, una de ellas es Thanos, que para lograr lo mismo, contrata a una eficaz mercenaria llamada Cuervo Blanco, durante la persecución del cometa ambos tendrán enfrentamientos con los Kree y los Skrull que también buscan la fuente del poder.
Estela Plateada y Cuervo Blanco son los primeros en llegar al interior del cometa, donde encuentran signos de una antigua civilización y a un viejo guardián, cuya misión desde tiempos inmemoriales es proteger la fuente del poder, que no es otra que un misterioso cristal, el guardián fallece a manos de la mercenaria y el cristal se rompe liberando a una extraña y maligna criatura que amenaza con destruir el universo, ambos combatientes unirán sus fuerzas para salvar sus respectivas vidas.
Marz crea un guión muy simple, sin demasiado riesgo en su desarrollo; pienso que fue creado con un divertimento personal, meter el máximo de contendientes posibles durante la trama y cerrarla de la forma más sencilla, esperaba más del guionista.
Otra cosa es el trabajo de Castellini, autor influenciado por el arte de Neal Adams y sobre todo de John Buscema, este último impresionado por su trabajo en Nathan Never, seria quién mediaría para que pudiera trabajar en Marvel, siendo esta obra su primer trabajo para la editorial.
El dibujo de Castellini es de corte clásico, sólo hay que ver su trabajo en esta serie, Estela es pintado con majestuosidad y belleza, pero sobre todo el autor impresiona por su calidad artistica y por el amor por el detalle. Tal es la fuerza de su trabajo en esta novela gráfica que ganó el prestigioso premio Yellow Kid.
Edición definitiva, realizada a gran tamaño y buen gramaje del papel, donde la resolución gráfica es bastante más interesante que la argumental.

domingo, 3 de julio de 2016

Sagas Marvel: Loki triunfante

Thor, representa el esfuerzo deliberado por parte de la editorial Marvel de transcender a los demás superhéroes, ya que es nada menos que un dios. El guionista Stan Lee colaboró con el dibujante Jack Kirby para dar una nueva interpretación de una antigua leyenda, en un nuevo medio como era el cómic book, pero durante el proceso, el concepto iria paulatinamente tomando un significado diferente al mito original.
Las historias de Thor fueron gradualmente transformadas, para construir una espectacular epopeya que abarcaba infinidad de conceptos, mitología nórdica, drama shakespeariano y maravillosas sagas cósmicas, a las que la fértil imaginación de Kirby ayudó a potenciar visualmente.
La marcha en 1970 de Kirby, debido a desavenencias con Stan Lee, ya que el dibujante estimaba que no recibia el reconocimiento que merecia por su contribución en la editorial, supuso un verdadero quebradero de cabeza para el guionista, necesitaba un dibujante capaz capaz de procesar todos los logros visuales de Kirby,
Habia dos destacados candidatos uno era el innovador e irreverente Neal Adams y el poseedor de un bello trazo clásico, John Buscema, ambos autores poseian un innegable talento, pero Buscema cumplia escrupulosamente con las fechas de entrega y asi se convirtió en el nuevo dibujante de Thor.
En contraposición al dinamismo y colosalismo de Kirby, Buscema proporcionó unas elegantes composiciones de figuras que dotaron de dignidad y firmeza a los personajes, los dioses de Asgard nunca fueron tan altivos ni majestuosos, sin perder nunca las perspectivas dramáticas y la precisión anatómica, que decir de la belleza y sensualidad con que dibuja a las mujeres, Karnilla o Sif fueron retratadas con gran belleza, la elección de Buscema fue un total acierto.
Hoy voy a comentar una saga que sintetiza la gran etapa de Lee y Buscema, me refiero a The Mighty Thor # 190-94 (julio 1971-diciembre 71). Tras el enfrentamiento con Hela, Loki se apodera del todopoderoso anillo de Odin, asi el malvado es ahora el nuevo Señor de Asgard, gracias al poder del anillo crea a Durock, El Demoledor, enviándolo a la Tierra para sembrar caos y destrucción pues sabe que Thor acudirá en su defensa y asi perecerá a manos del monstruoso ser.
Sin embargo, los Planes del villano van más lejos ya que pretende contraer matrimonio con Lady Sif, Thor tendrá que derrotar a Durock y encaminar sus pasos a la ciudad dorada para impedir la boda, mientras Odin duerme su sueño y no puede ayudar a su hijo, pero sin embargo cuenta con la ayuda de Balder, que convoca a Silver Surfer para que ayude a su amigo.
Esta historia contó con guiones de Lee y Gerry Conway, este último se haria el guionista titular de la serie, haciendo un brillante trabajo al frente de la misma.
La etapa de Lee y Buscema al frente del Dios del Trueno, está considerada como una de las más aclamadas del personaje a lo largo de su historia, eso quiere decir mucho del trabajo de sus autores,

Hombre-Cosa: El monstruo del pantano

La Cosa del Pantano surgió en Savage Tales # 1 (mayo  1971), esta era una serie en blanco y negro con formato de revista, al estilo de la producida por el inconformista editor James Warren y su revista de terror Creepy, gracias a los cambios en la industria respecto al Comics Code esta serie estaba pensada para llegar a un público más adulto y exigente, fue una revista experimental a mayor precio que el comic book convencional y que no llegó a cuajar, ya que su segundo número saldría dos años después.
El plato fuerte de este primer número fue una excelente aventura de Conan, realizada por Roy Thomas y Barry Smith, también se presentaba a un personaje de terror llamado Hombre-Cosa (Man-Thing), que casualmente apareció sólo unas semanas antes que otro monstruo similar publicado por la editorial DC, La Cosa del Pantano (Swamp Thing), este último tenia guiones de Len Wein mientras la de Marvel estaba escrito por Gerry Conway, con el tiempo ambos guionistas crearían algunos de los personajes Marvel de mayor éxito.
En apenas diez páginas Conway junto al dibujante Gray Morrow nos presentaban a un joven cientifico, Ted Sallis que logra un suero capaz de convertir a un hombre en un supersoldado, pero es traicionado por la mujer que ama, aún asi pudo escapar y antes de que el vial cayera en manos de sus perseguidores, se lo inyecta a si mismo, pero no puede evitar la tragedia y su coche cae al fondo del pantano, donde la mezcla del producto quimico muy inestable y las aguas ponzoñosas, le convierten en un horrible ser, con una fuerza sobrehumana y el poder de quemar con su contacto a aquellos que le temen. Pese a ser una historia muy breve, estaba bien desarrollada y el trabajo de Morrow era muy bueno, con lo que el monstruo se paseó por otras colecciones.
Lo volveriamos a ver en Astonishing Tales #12-13 (junio-agosto 72) donde Ka-Zar y su inseparable Zabu es llamado por un grupo de cientificos del gobierno para descubrir el paradero de Ted Sallis, por supuesto desconocen que es el Hombre Cosa, aunque también intentan descubrir su paradero agentes de I.M.A , tanto la historia como el dibujo son una autentica gozada y es que no podia ser menos ya que estaba firmada por Roy Thomas y dibujada por John Buscema acompañado en ciertos pasajes por Neal Adams.
De ahi pasó a la revista génerica de terror Adventure Into Fear # 10-19 (octubre-diciembre 72-73), esta etapa en su mayor parte estaba guionizada por Steve Gerber y dibujada por Val Mayerik, en la serie se fomentó que el pantano era una encrucijada de realidades, asi el personaje se enfrenta a demonios, sectas y viaja a extrañas dimensiones, donde no faltaban bellas damas ni guerreros a lo Conan. Eran historias muy sosas y muy poco originales, de hecho Gerber en una de ellas y sin ningún rubor nos cuenta la historia de la llegada de Superman, una copia descarada del origen del Hombre de Acero que da muestra de falta de ideas del guionista y el trabajo gráfico de Mayerik tampoco ayuda mucho a que la cosa mejore, aunque se produjo un afortunado debut ya que por sus páginas se paseó un ave fumadora de puros y que tiempo después llevaría a Gerber a la gloria, nos referimos al pato Howard.
Pese a todo el monstruo tuvo sus seguidores y pasó a tener colección propia Man-Thing # 1(enero 1974) también de la mano de Gerber, contó en sus primeros números con el dibujo de Mayerik  y en los posteriores de Mike Ploog, en el primer número el guionista cierra el arco argumental de la etapa anterior y en los próximos números desarrolla interesantes historias como El Exterminador de Tontos, pese a que su titulo pueda parecer una chorrada, era una interesante critica al fanatismo religioso o la historia del payaso perdedor que se quita la vida en el pantano, sin olvidarnos del Hombre Cosa enfrentado a los guardianes de la fuente de la eterna juventud, las dos últimas estaban dibujadas por Ploog, autor que recuerda sobremanera a Will Eisner, tanto por la planificación de página como por la expresividad y viveza que otorga a los rostros de los personajes, logrando un resultado magnifico.
Obra irregular, a ratos fallida y en otros muy estimulante, el Hombre Cosa fue un intento de Marvel de diversificar sus propuestas con diferentes géneros, el terror fue uno aunque a decir verdad la criatura no daba miedo si no lástima.

domingo, 12 de junio de 2016

Fatale: Maldice al Demonio

Tomo que recoge los números 20-24 de la serie y que ponen fin a la misma, Fatale surgió en el 2002 bajo el paraguas de la editorial Image y sus creadores son uno de los equipos creativos más en forma del medio, Ed Brubaker y Sean Phillips, juntos han realizado series tan notables como Sleeper, Incógnito o Criminal.
Fatale es un intenso relato donde se explora el mito de la mujer fatal, el género negro y el terror, cuya protagonista es la misteriosa e inmortal Josephine, una mujer con el poder de dominar y arrastrar a los hombres a su perdición, esta maldición la persigue eternamente, pero no es lo único que la acecha, también lo hace un culto satánico adorador de crueles y oscuros dioses, liderado con mano firme por El Obispo.
En estos números "Jo" se cansa de huir, quiere escapar a su destino, tomar de una vez por todas el control de su vida y para ello debe derrotar al Obispo, contará con la ayuda de Nicolas Lash y de Otto un anciano erudito en artes arcanas y misticas.
Brubaker logra desarrollar una saga que seria digna heredera de un relato de Poe o Lovecraf, con un estimable personaje femenino 
poco convencional, con múltiples aristas ya que funciona como una heroina, villana, monstruo o victima. Serie muy adulta, sangrienta y de alto contenido sexual, consiguiendo una obra interesante y por momentos apasionante, que engancha al lector desde la primer viñeta.
 Aunque tras leer su final creo que quizás el guionista podria haber hecho más, no es que moleste su conclusión, tras su lectura te queda un buen sabor, es que me da la sensación de que falta algo para cerrar la serie de una forma más brillante.
La parte gráfica corresponde a Sean Phillips, autor que con su fluido y vigoroso trazo consigue transportarnos a inquietantes y sombrias atmósferas, es todo un maestro en el arte de los claro oscuros, gracias a su trabajo la serie logra más empaque.
Otra creación que raya a un gran nivel y ya son unas cuantas, ambos autores demuestran una esplendida madurez, no importa el género al que se dediquen, la unión de ambos es sinónimo de calidad.

domingo, 15 de mayo de 2016

Starlight: El regreso de Duke McQueen

Uno de los mejores guionistas del medio, Mark Millar (Ultimates, Kick-Ass) se une a uno de los dibujantes más interesantes de los últimos tiempos, Goran Parlov (MAX: Punisher, MAX: Furia) para crear una bonita y emotiva historia de aventuras espaciales.
Duke McQueen es un sexagenario, al que la muerte de su mujer sume en un estado de tristeza, sus hijos tampoco le ayudan mucho a superar este vacio existencial, ya que le ven como una carga, asi solo le quedan los recuerdos de lo ocurrido cuatro décadas atrás, cuando siendo un piloto de pruebas su avión atraviesa una barrera dimensional y aterriza en Tántalus, un planeta al que libra de un cruel tirano, logrando convertirse en un héroe para el pueblo.
Sin embargo, de regreso a su mundo, se encuentra que nadie le cree, convirtiéndose en el hazmerreir de la prensa, este hecho le supone un gran pesar, que supera con el amor incondicional de su mujer. Este anciano lleva una vida apacible y solitaria, pero todo cambia cuando una nave espacial pilotada por un niño aterriza en su jardin para pedirle ayuda, ya que Tántalus está en grave peligro, una nueva y emocionante aventura le espera.
Millar crea un hermoso homenaje al Flash Gordon de Alex Raymon, la historia que nos cuenta es sencilla y ya ha sido contada infinidad de veces, por lo tanto corria el peligro de caer en lo reiterativo y monótono, pero el guionista tiene algunos trucos en la chistera que logran que la obra despegue, el primero es sin duda su falta de pretensiones, ya que es una historia de aventuras ligera de corte clásico, donde los villanos son muy malos y el héroe es arrojado y valiente, esta obra está creada para entretener por encima de todo.
El segundo es que está bien estructurada, tiene la parte justa de drama, humor y épica, tercero es que al lector le es muy fácil empatizar con el personaje un viejo y olvidado héroe, convertido en un hombre corriente y el último (quizás el mejor) contar con Parlov en la parte gráfica.
Parlov, autor de trazo sencillo y detallista, hace un despliegue de medios asombroso, atreviéndose a referenciar a un gigante del cómic como es Moebius y lo consigue con una nota alta.
Obra muy entretenida y recomendable, de las que se leen de un tirón y al finalizar el lector queda con ganas de más aventuras de ese gran personaje que es Duke McQueen.

Capitán América: Blanco

Jeph Loeb y Tim Sale forman uno de los equipos creativos mas interesantes y originales del género superheroico, se empeñaron tanto en Marvel como en DC en contarnos el origen de algunos de los personajes más emblemáticos de ambas editoriales, así surgieron  títulos como Batman: El largo Halloween y su continuación Victoria Oscura, sin olvidarnos de Superman: Para todas las estaciones.
En Marvel lo han hecho con el curioso procedimiento de aplicar un color a un determinado personaje, Daredevil: Amarillo, Spiderman: Azul y Hulk: Gris y por último Capitán América; Blanco.
Esta última obra se vendió como una serie limitada en 2008, e incluso llegó a salir un número cero, lo cual creó grandes expectativas, pero inexplicablemente el proyecto se paralizó, muchos aficionados temieron que jamás vería la luz, pero se reanudó, siendo publicada en el 2015.
La historia está/ ambientada en La II Segunda Guerra Mundial, donde el Capitán América junto a su pupilo Bucky deben cumplir una misión en el París ocupado por los nazis, cuyo líder no es otro que Cráneo Rojo, pero no están solos cuentan con estimable ayuda del duro Sgt. Furia y sus Comandos Aulladores, asi juntos deben derrotar al villano e intentar salir ilesos de la misión.
Loeb otorga al personaje un toque de inocencia acorde con los tiempos en los que transcurre la acción, la historia que nos cuenta es sencilla, pero que esa simpleza argumental no engañe al lector, la serie tiene empaque y es entretenida, habla de valores tan universales como la camaradería, la amistad y del sentimiento de culpa al perder un compañero, ya que llevar a la guerra a un niño y verlo morir es dificilmente aceptable.
El Capi debe purgar su conciencia y lo hace recordando los buenos tiempos que pasó junto a su compañero, dias de batalles sin fin, de actos heroicos y al final el tremendo vacío que produce su pérdida, con el tiempo esta herida puede llegar a curarse.
El trabajo de Sale te deja sin aliento, es abrumador, logra potentes viñetas a página doble, todo ello acompañado de un frenético ritmo, logrando transportarnos fácilmente al espiritu de la contienda, eso sin olvidarnos del homenaje realizado en estas páginas a dos de sus dibujantes favoritos, Jim Steranko y Jack Kirby, mención aparte reseñar el espléndido uso del color por parte de Dave Stewart.
No es el mejor trabajo realizado por los autores para Marvel, para mi ese recae por méritos propios en Daredevil: Amarillo, pero es muy entretenido, estando muy por encima de la media, se nota que está realizado con enorme cariño por sus creadores y eso se refleja en toda la obra. Se recomienda su lectura.

martes, 26 de abril de 2016

Los Hijos del Crepúsculo

Miniserie de cuatro números surgida en el 2015 para el sello Vertigo, sus autores son Gilbert Hernández (Love and Rockets) y Darwyn Cooke (Minutemen, Parker).
Unas misteriosas esferas luminosas aparecen en una pequeña población costera de América Latina, al tocarlas producen extraños efectos sobre la población local, desde cegueras a desapariciones.
En esta ciudad destacan la promiscua Tito y su marido Nikolas, el pescador fortachon Antón, el borracho del pueblo Bundo, el sheriff, Felix un cientifico encargado de descifrar el enigma de las esferas y unos investigadores de la CIA, aunque lo más misterioso es la aparición de Ela, una mujer que posiblemente no sea de este mundo.
Hernández crea una serie coral y costumbrista, donde las esferas son una mera disculpa para desarrollar los miedos e inquietudes de los distintos personajes que pueblan la obra, esta fase de la narración funciona
Otro tema es la historia de lo paranormal, hay la cosa se desinfla, la historia no tiene mucho sentido y el comportamiento de los personajes con apariciones y desapariciones constantes y sin ninguna explicación me parece absurdo, nadie sabe de donde vienen las puñeteras bolas, otro tanto pasa con Ela, sabemos que se enfrenta al poder oculto en las esferas pero no sabemos el porque, en fin no sabemos nada, el camino de Hernández en su propuesta no es recto, obliga al lector a sacar sus propias conclusiones, las mias están muy claras me gustan algunos momentos de la serie y otros me parecen un truño en toda regla.
Cooke hace una composición brillante, algo a lo que nos tiene acostumbrados de hecho es lo mejor de la serie, sin desmerecer el excelente color de Dave Stewart.
Obra extraña en su desarrollo argumental y brillante en su resolución gráfica, sinceramente tras su lectura me he llevado una pequeña decepción.

Guardianes de la Galaxia: El poder de Halcón Estelar

Los personajes surgieron en Marvel Super-Heroes # 18 (enero 1969), el Universo Marvel crecía tanto en la creación de personajes como en conceptos, siendo este titulo un banco de pruebas, asi de la mano de Arnold Drake y Gene Colan hacen su primera aparición los Guardianes de la Galaxia.
En el año 3007, un grupo de humanos son modificados genéticamente  para vivir en planetas poco habitables de nuestro sistema solar, estos viven en paz en sus respectivos mundos, cuando son atacados y hechos prisioneros por la raza reptilesca de los Badoon. 
Un puñado de hombres harán frente a los invasores, ellos son: Carlie-27, un gigantón y último humano libre de su planeta Júpiter; Martinex, un humanoide cristalino, perteneciente a Plutón; Vance Astro, astronauta americano, que realiza un viaje al espacio en 1988, durante el cual se mantiene en animación suspendida durante mil años y que debe llevar un traje protector, él también es el último hombre libre de su mundo, la Tierra y por último Yondu un nativo de piel azul del planeta  Centauri-IV, y que es un magnifico arquero a los que más tarde se uniría el enigmático Halcón Estelar.
Este súper grupo no llegó e tener colección propia, paseando palmito por series como Marvel Two-In-One o Los Defensores, sin embargo el concepto de este equipo de luchadores del futuro gustó y pasaron a tener serie propia produciéndose su debut en Marvel Presents # 3 (febrero 1976) hasta el Marvel Presents # 12 (agosto 1977), los autores encargados de contar sus aventuras fueron Steve Gerber a los guiones y Al Milgrom a los dibujos.
En el primer número Gerber cierra el arco argumental desarrollado anteriormente en la serie de Los Defensores y nos encontramos a Los Guardianes ayudando a liberar a la Tierra de la amenaza de La Hermandad Badoon, tras lograrlo se dan cuenta de que en este nuevo mundo no tienen cabida, ya que el ser humano no ha aprendido de sus errores y ellos mismos gracias a sus modificaciones son vistos como seres diferentes.
Deciden emprender una nueva misión y esta no es otra que enfrentarse a la entidad cósmica conocida como el Hombre Topográfico, que se alimenta de las galaxias que explotan, por el camino se encontrarán con Nikki, una bella mercuriana que se unirá al grupo y que tendrá mucho que decir en la derrota de la gigantesca amenaza.
El siguiente arco argumental los autores nos muestran el origen del estoico y misterioso Halcón Estelar y se enfrentaran a los Cuervos de Arcturus y a su lider Ogord, aunque en la batalla Halcón tendrá una gran pérdida personal.
Las historias de Gerber son demasiado pretenciosas y a veces enrevesadas, quitando a Vance y a Halcón Estelar las personalidades de los personajes no están muy desarrolladas, por poner un ejemplo estos héroes del futuro palidecen ante el enfoque que Jim Starlin dio a otro personaje cósmico como el Capitán Marvel, asi pues los guiones de Gerber la verdad me dejan totalmente indiferente.
Al Milgrom dibujante de un trazo clásico hace un trabajo más que digno, pero el problema de la serie no estaba en la parte gráfica y tras nueve números  la obra fue cancelada, una lástima ya que el grupo tenia potencial.

martes, 19 de abril de 2016

Hombre Máquina/Iron Man 2020

Tras su regreso a Marvel a mediados de los 70, Kirby recibió el encargo aparentemente imposible de convertir el clásico de la ciencia ficción de Stanley Kubrick, 2001: Una odisea de espacio, en una versión para cómic de 71 páginas y a tamaño gigante. Kirby consiguió hacerlo aunque habia muy poco de su propia cosecha en aquellas páginas, sin embargo logró un trabajo excelente con los mejores dibujos que hizo durante ese periodo.
Este cómic derivó en une serie regular titulada Space Odissey, donde en el número 8 (julio 1977) fue presentado un robot al que llamó Mister Máquina, el cual tendria su propia colección ahora con el nombre de Hombre Máquina.
Su nombre original era X-51 y pertenecia a una serie de robots experimentales, creados para un proyecto militar, este en particular fue llevado por un cientifico llamado Abel Stack a su casa y lo trató como si fuera su hijo. El otro grupo de robots desarrolló personalidades psicóticas, por lo que todos fueron destruidos, todos menos X-51 que fue salvado por Stack aunque para lograrlo, murió.
X-51 intentó buscar su hogar entre los humanos, pero siempre fue visto como una amenaza potencial. Kirby estuvo en la serie hasta el número 9, la siguieron otros equipos creativos hasta su final en el número 19 (1981).
El escritor de la última fase de la serie era Tom DeFalco, que tres años después de su cancelación en 1984, rescata al personaje en una serie limitada de cuatro números dibujada por Herb Trimpe y Barry Smith. La acción se sitúa en el año 2020 en un futuro distópico, donde un desmantelado Hombre Máquina es arrojado a un vertedero, del que es rescatado por un grupo de jóvenes que se llaman a si mismos Los Saqueadores de Medianoche, una vez rearmado por estos el robot debe enfrentarse a una antigua contrincante, Sunset Bain (Madame Amenaza), dueña de una poderosa corporación dedicada a la construcción de robots, en esta historia cabe destacar a uno de los villanos, Iron Man 2020 (Arno Stark) una versión retorcida y malvada de Tony Stark.
Esta mini serie es una verdadera gozada, tanto a nivel argumental como de dibujo, en cuanto a la parte gráfica debe ser desolador ver como los dibujos son fogotizados hasta no dejar rastro por parte del entintador que fue Smith en los tres primeros números, a mi encanta el resultado final, me parece soberbio, pero creo que a Trimpe no le habria hecho mucha gracia.
Este volúmen consta del Amazing Spiderman Annual # 20 (nov 1986) donde se recupera a Iron Man 2020, esta vez el personaje tiene que viajar al pasado para cambiar el futuro, aunque para lograrlo tiene que enfrentarse a Spiderman, es una historia entretenida y el papel de villano del personaje es suavizado. Estaba escrita por Fred Schiller, Ken MacDonal y dibujado por Mark Beachum.
Y cierra la obra la novela gráfica Iron Man 2020 vol.1 (agosto 1984) donde Arno tendrá que ayudar a Marcus Wellington un rival a encontrar a su hija desaparecida, por supuesto detrás de esto se esconde algo más oscuro. Pese a los guiones de Walter Simonson el resultado final es mediocre, la historia no engancha y que a los dibujos este Bob Wiacek y Willian Rosado no ayuda a mejorar el resultado final.
Par concluir, lo mejor de este volumen es de largo El Hombre Máquina de DeFalco,Trimpe y Smith, el resto es simple y llanamente material de relleno.

viernes, 15 de abril de 2016

El Hombre Hormiga: ¡El hombre en el hormiguero!


Tomo que recoge la etapa clásica del personaje, el surgió en Tales To Astonish # 27 (enero 1962), esta cabecera era un título genérico dedicado a la fantasía y la ciencia ficción, este número estaba formado por cuatro historias cortas, en una de las cuales nos encontramos con Henry Pym, un científico que inventó dos sueros uno capaz de reducirlo al tamaño de un insecto y otro que lo devuelve a su tamaño original, tras un desafortunado encuentro con unas hormigas en el jardín de su casa decide destruir los sueros. Esta historia estaba firmada por Stan Lee, Larry Lieber y dibujada por Jack Kirby, aunque sin duda su inspiración es sin duda el film de serie B " El increíble hombre menguante " firmado en 1957 por Jack Arnold,  que a su vez estaba basado en una novela del gran Richard Matheson.
La venta de este cómic sorprendió a sus creadores y así en Tales To Astonish # 35  (septiembre 1962), para integrandose en el nuevo y expansivo universo superheroico  creado por la editorial. Sigue siendo un brillante científico, esta vez con un vistoso uniforme y un casco ciibernetico  con el que es capaz de comunicarse con las hormigas, así como los sueros para refucir y volver a su tamaño normal, este primer uniforme seria el más representativo a lo largo de su historia, las historias seguían firmadas por  Lee, Lieber y en la parte gráfica seguía Kirby, que  continuaron hasta el número 41 (marzo 1963), a partir de  ahí el dibujante fue Don Heck.
Heck era un artesano del medio, al que el género de superheroes le quedaba grande, era muy bueno en los primeros planos  ya que otorgaba a los rostros una gran belleza, pero le faltaba la vitalidad y el dinamismo de Kirby.
En el número 44 de la colección se produjo un acontecimiento muy importante en el desarrollo de la serie, este no es otro que la llegada de una Janet  Van Dyne, primero como ayudante en el laboratorio y luego con el apodo de La Avispa como compañera de aventuras, a la vez que actuaba como complemento amoroso del héroe, el personaje aportó humor y frescura.
Con todo ello la serie era muy floja y el personaje totalmente insulso, los guiones eran muy repetitivos y las situaciones que vivía el Hombre Hormiga eran grotescas. Unido esto un elenco de villanos sacados de un vodevil barato, la serie hacia aguas por todas partes.

Se intentó salvar al H.H convertiendolo en el Hombre Gigante Tales To Astonish  # 49/63 (noviembre 1963, marzo 1965), pero a su nuevo tamaño e incrementeda fuerza, el héroe no pareció haber sido tocado por la magia  de Marvel, todo ello dibujado por un entregado Dick Ayers.
En el número 65 se intentó volver a reflotar al personaje dándole un nuevo uniforme, gran error, ya que fue uno de los diseños más horrorosos creados jamás en un cómic, el Hombre Hormiga en cualquiera de sus tamaños estaba finiquitado.
Sin embargo el personaje si funciono al integrarse en el supergrupo creado por Marvel, The Avengers # 1 (septiembre 1963), sin duda en esta colección fue mejor desarrollado, tanto en su diminuta identidad como posteriormente como Goliat o Chaqueta Amarilla.
Siguiendo con su etapa clásica, Henry Pym fue visto en una historia corta y de complemento en The Invencible Iron Man # 44 (enero 1974) una entretenida aventura firmada por Roy Thomas y Ross Andru y más tarde en Marvel Feature # 4 (julio 1972) donde claramente inspirado en el film del 57, él y su compañera son reducidos de manera permanente y para sobrevivir con su pequeño tamaño deben enfrentarse a toda una serie de peligros y lo lograrán con su arrojó e intelecto, serie que otorgaba un nuevo aspecto al personaje y que resulta interesante por momentos, contaba con guiones de Mike Friedrich y dibujos de Herb Trimpe, Craig Russell y Jim Starlin.
Otro momento clásico y que cierra el tomo es la llegada de Scott Lang, este no era otro que un expresidario dispuesto a rehabilitarse, pero al que una cara enfermedad de su hija le obliga a delinquir, de forma casual encuentra el traje del Hombre Hormiga y lo utiliza para salvar la vida a su hija, estos sucesos contaron con el beneplacito del Henry Pym y asi el nueno héroe se integra en el Universo Marvel, estas historias ocurrieron en Marveñ Premiere # 47-48 (abril.junio 1979) y sus autore fueron David Micheline a los guiones y John Byrne y Bob Laiton a los dibujos, estos dos números son sin duda lo mejor del tomo, en el resto el personaje demostró que era tan interesante como su diminuto tamaño.